Chagall escenógrafo

"¿Y este goy va a crear un teatro judío?", parece que fue el indignado comentario de un intelectual de ese credo cuando, en 1918, se anunció en Petrogrado (San Petersburgo) que Alexei Granovsky (que no era judío, no hablaba idish y se había formado en Alemania como discípulo de Max Reinhardt) había fundado el que se conocería como Teatro Idish de Moscú. En el programa del primer espectáculo, en 1919, Granovsky escribió: "Lo único que nos diferencia del teatro del resto del mundo es el idioma".

La historia de esa singular compañía, más conocida como Goset, es narrada por Benjamín Harshav en un libro que acaba de aparecer en Gran Bretaña, The Moscow Yiddish Theatre (Yale University Press, 199 páginas, 45 dólares, o 30 libras) y que Samantha Ellis comenta en la edición de The Times Literary Supplemen t del reciente 6 de junio. Según esa reseña, Harshav hace aparecer a la nueva compañía de la nada, cuando, de acuerdo a un dicho popular, los judíos "comen su pan untado con teatro", y hacia 1918 el teatro idish en Rusia ya se había despegado del melodrama populista y aspiraba a temas más profundos. La señora Ellis afirma que "es una pintura, asombrosamente vívida, de cómo una compañía encuentra su camino".

* * *

Granovsky empezó por reclutar actores de menos de veintisiete años de edad (él tenía veintiocho). Los entrenó desde el vamos en las técnicas más vanguardistas y menos realistas, pidiendo prestado a Reinhardt y a Meyerhold y estudiando idish: literatura, folklore, canciones. En 1920 se mudaron a Moscú. Fue la primera época después de la revolución de 1917: una febril creatividad en todas las disciplinas artísticas y culturales, pese a las penosas circunstancias cotidianas. En plástica, música, teatro, cine, literatura, danza, soplaban no vientos sino huracanes renovadores, que dejaron huella en todo el mundo durante el resto del siglo XX, pero que Stalin aplastaría en su país, en aras del famoso "realismo socialista". En aquellos momentos de euforia, el gobierno dio a Granovsky una vieja mansión confiscada, donde éste instaló a su gente y llamó a Marc Chagall para decorarla.


* * *

Chagall era "emotivo, infantil, delirante", en tanto Granovsky era "racional, europeizado, formado en Alemania, mayormente silencioso, preciso y disciplinado". El choque no tardó en producirse. La colectividad judía asistió en masa al estreno de Una velada con Sholem Aleijen , "en busca de una identidad más fuerte que la nostalgia". Chagall no guardaba en ese momento buen recuerdo de su aldea natal, ni le gustaban "esos tipos de las ciudades pequeñas que leían a Sholem Aleijen sólo para reírse todo el tiempo". Y el joven pintor, que reclamaba grandes superficies para volcar su arte, las encontró en el teatro de Granovsky: "¡Abajo el viejo teatro que huele a ajo y a sudor! -escribió- ¡Y me precipité sobre las paredes!"

Chagall se puso a pintar sobre enormes telas con las que cubrió cuanta superficie libre encontró. Trabajó en aislamiento total: no recibía visitas y le pasaban la comida por un agujero en la puerta. Los murales resultantes fueron "vastos, irreprimibles, tragicómicos, carnavalescos". E indigestos para el público de esa noche, que se encontró con una vaca verde lanzada al espacio, llevando en su lomo a un clérigo judío con sus filacterias y haciendo la vertical, un acróbata que tocaba un violín roto y un hombre que cabalgaba en un gallo, con un pez en la boca. Lo peor fue que no había manera de pararlo a Chagall, quien seguía pintando las paredes y pájaros y animales sobre las ropas de los actores, que debieron ser literalmente arrancados de sus manos: el público ya entraba y se sentaba en las sillas, mientras el pintor protestaba porque esa gente impedía ver la totalidad de sus murales. Harto de pelearse con Stalin y para salvar el pellejo, durante una gira, en 1928, Granovsky se quedó en Europa occidental. Lo reemplazó Solomon Mikhoels, quien se sometió a los caprichos del dictador hasta que éste lo hizo fusilar, en 1948, y clausuró el Goset. Alguien desmontó las pinturas de Chagall y las guardó: en 1998 se exhibieron en la Royal Academy londinense, y hoy ilustran el libro de Harshav.

“Sobre el teatro judío en Rusia”
ERNESTO SCHOO

(la nación, 28.06.08)

En Google buscamos algunos links con las imágenes de la escenografía de Chagall para complementar esta muy buena nota de Ernesto Schoo. Estos son los sitios recomendados:

Marc Chagall, The Jewish Theatre
http://www.expatica.com/nl/life_in/feature/marc-chagall-the-jewish-theatre-196.html

Una nota de Juan Gelman en “Página 12”:
http://www.geocities.com/scholemaleijem/MarcChagall.htm

Un artículo sobre la exposición de 1993:
http://findarticles.com/p/articles/mi_m1248/is_n5_v81/ai_13701858{{

Las imágenes de los lienzos pintados por Chagall:
http://members.tripod.com/~jtheater/chglall.htm

El artículo en wikipedia:
http://en.wikipedia.org/wiki/Moscow_State_Jewish_Theater

atenti al ladri

EL SUEÑO DE CASSANDRA / ANICETO

Confluyen en la pantalla local, dos películas de sendos maestros que abrevan en obras propias anteriores. Nos referimos a “El sueño de Cassandra” de Woody Allen y a “Aniceto” de Leonardo Favio. La primera no hace explícito lo que cualquier espectador con dos dedos de memoria puede deducir a partir de “Match Point”: Woody Allen está contando la misma historia que en “Crímenes y pecados”, con algunas diferencias menores. En el caso de Favio, es explícito transformar en un ballet su propia película de “El romance del Aniceto y la Francisca…” (abreviación del título más largo de la historia del cine argentino). En ambos casos, los dos maestros fracasan, sin vueltas. Uno sale del cine preguntándose qué quisieron hacer y porqué empuñaron una cámara si no tenían nada más que decir. “El que rompa el silencio tendrá que hacerlo / con alguna palabra maravillosa” cita Tuñón a Rega Molina. Cabe estos versos para este pobre intento de dos artistas maravillosos. Por eso, tal vez, duele más tal pobreza.



“El sueño de Cassandra” repite la historia del hombre ambicioso que enfrenta la posibilidad de cometer un crimen que solucionaría todos sus problemas. El peso moral de esa decisión es clave: será alguien diferente (mate o no). Bueno, si Allen contó (brillantemente) por primera vez esta historia en “Crímenes y pecados” y la retomó (con menos brillo) en “Match Point”, ¿qué necesidad tenía de contarla otra vez?.

Ahora, el personaje central se divide en dos hermanos. Uno manipula al otro, ambos pretenden ser más de lo que son. No intentan ser mejores; sólo parecerlo. Apariencias que definen un destino, azuzados por una madre que no duda en menospreciar a su esposo por sus fracasos comerciales. Los hermanos irlandeses buscan una oportunidad, una chance, para salir de su mediocridad. Las mujeres que consiguen están a su lado, si y sólo si, sustentan con dinero lo que sugieren aparentar. La aparición del tío “salvador” (en simétricas escena, al principio y al final) sugiere la proyección del futuro de los muchachos. Ian se identifica con el tío; el atormentado Ferry en su padre.



Si esas categorías psicoanalíticas son más o menos claras, el filme transcurre muy correctamente, demasiado correctamente para ser Woody Allen. Sus diálogos han perdido gracia, fulgor, trascendencia. La insipidez de los parlamentos (estilísticamente justificado en “Match Point”) provocan fatiga. Allen parece tambalear en un agotamiento de su cine. Tal vez deberíamos ansiar en que el gran neoyorquino se tome un año sabático largo y se pregunte, desde la cumbre más alta de su carrera, qué carajo quiere contar.



Tal vez, entonces, tengamos la gran obra de Woody Allen que estamos esperando desde hace rato. Y de no ser así, con todo lo que hizo, ya es suficiente para llamarse a silencio y cerrar con gloria un capítulo dorado.

En el caso de Leonardo Favio, arriesgó a ponerle música a la sencilla historia del Aniceto. Pero la película no es un musical. Y tampoco una representación teatral de un musical. “Aniceto” naufraga en una pobreza conceptual y hasta visual (cosa rara en su autor). El filme parece un borrador mal hecho. La yuxtaposición de Chopin con los Wawancó ni siquiera causa gracia. Es un recurso torpe que poco ayuda a la historia.

Favio no ha encontrado la música de su ballet. Y eso es una falla fundamental. Más aún: creo que Favio no encontró el género para volver a contar esta historia.



Si hubiera querido filmar un ballet, era apropiada la elección de buenos bailarines (como lo hizo en “Aniceto”). Pero entonces el primer plano no es el aliado principal. Los intérpretes del terceto central hacen un gran esfuerzo para mostrarse como actores. Pero lo de ellos es bailar. La cámara en un largo primer plano es un enemigo en el campo de batalla. Es un síntoma de la confusión en la que cae Leonardo Favio, al punto que si no decimos que “Aniceto” es un bodriazo se debe, exclusivamente, a quién está detrás de cámara.



Dos pasos en falso en dos artistas de mérito. No por arriesgar, sino todo lo contrario, por caer en la tentación de sacarle más jugo a una idea que ya dio todo lo que podía dar. Un ejemplo de los riesgos de no tomar riesgos en la creación artística. Pecado que podemos perdonar por todo lo que estos dos señores han dado a la cinematografía.

CONSEJO: dejar pasar.

el eclipse de Homero

En un trabajo que hoy se publica en los Anales de la Academia Nacional de Ciencia de los Estados Unidos (PNAS, según sus siglas en inglés), dos científicos argentinos pueden haber encontrado pistas que ayuden a saldar una de las discusiones que apasionan a los estudiosos de esos poemas fundacionales de la literatura occidental: ¿es o no un eclipse total de Sol lo que describe un célebre pasaje del Canto XX de la Odisea (La profecía de Teoclímeno) ? "Vuestras cabezas, vuestros rostros y vuestras rodillas están envueltas en la noche [...]. Lleno está el vestíbulo y lleno el patio de espectros que descienden hacia las tinieblas del Erebo. El Sol ha desaparecido del cielo y una oscuridad nefasta lo cubre todo."

Marcelo Magnasco, profesor vitalicio de física matemática de la Universidad Rockefeller, en Nueva York, y Constantino Baikouzis, diseñador de mapas celestes del Observatorio de La Plata, analizaron en detalle el texto homérico que describe los últimos 34 días del viaje de diez años que Ulises emprende para retornar a su casa en la isla de Itaca, después de la Guerra de Troya.

(…)

A partir de la reconstrucción de los mapas del cielo correspondientes a 50.000 noches de los 135 años que van del 1250 al 1115 a.C., Magnasco y Baikouzis encontraron una serie de coincidencias que no sólo apoyan la hipótesis del eclipse, sino que revelan un conocimiento astronómico notable por su precisión.

"Verificamos las constelaciones, las fechas en que se menciona que hay luna nueva, las posiciones de Venus y Mercurio... En los 135 años que rodean la fecha estimada de la caída de Troya, sólo un período que culmina en el eclipse total de Sol del 16 de abril de 1178 a.C. coincide con los datos astronómicos", dice Magnasco.

La controversia sobre el citado pasaje de la Odisea viene de lejos. Aunque no tiene ninguna mención explícita, de que ocurre en el interior de un cuarto, y de que la oscuridad coincide con la imaginería del Hades; ya Plutarco y Heráclito creían que se trataba de la descripción poética de un acontecimiento astronómico.

"El 16 de abril de 1178 a.C., cerca del mediodía, un eclipse total de Sol ocurrió sobre el mar Jónico [...]. Fue espectacular", escriben los investigadores. Según sus cálculos, se pudieron observar simultáneamente los cinco planetas visibles "a ojo desnudo", la Luna y la corona solar.

“Hallan precisiones astronómicas en la poesía de Homero”
NORA BÄR

(la nación, 24.06.08)

24 en menos de hora y media

88 MINUTOS

Quiero reivindicar películas como “88 minutos”, generalmente maltratadas por crítica y público, olvidadas en el limbo del anaquel más remoto del videoclub. No estamos, claro está, ante una obra maestra de la cinematografía. No. Es una película con un fin más modesto: hacernos pasar un buen rato. No es poco. Tiene una idea, la desarrolla y la lleva a cabo con eficacia relativamente certera. Podríamos haberle pedido más sutileza, algún tenor dramático más espeso. Claro que sí. Pero no es poco lo que logra. Por eso debe valorarse.

“88 minutos” es una historia en tiempo real, una especie de “24” pero en menos de noventa minutos. Este no es un día más en la vida del Dr. Jack Grimm, afamado psicólogo, perito policial. Por el perfil de un sospechoso, realizado por él, están por ajusticiar a muerte a un condenado. Y esa misma mañana, aparece asesinada una mujer con la que pasó la noche, con el mismo modus operandi de los crímenes que se le acusa al condenado a muerte. Y como si esto fuera poco, recibe un llamado en su celular anunciándole que sólo tiene 88 minutos de vida.

La cámara nos acompaña en los golpes al aire que da Jack Grimm, buscando al responsable de los llamados. Un juego de intrigas en el que las pistas sembradas ponen en duda la inocencia del propio Grimm.

En un ritmo que nos recuerda películas como “Celular”, Al Pacino está muy cómodo haciendo de sí mismo, rodeado de un harén que orbita detrás del renombrado psicólogo. Esa es una de las puntas más interesantes, insinuada y no del todo explotada dramáticamente. El protagonista atrae a las mujeres que lo rodean con la misma energía que las rechaza. Un enjambre femenino lo persigue y lo reclama: estudiantes, académicas, colegas. No es que las ignore: las manipula. Todas giran a su alrededor y responden a sus demandas: aunque no quieran, dependen de él, seducidas y abandonadas. El paradigma es Shelly, su secretaria y mano derecha, la única a la que le propone casamiento… sabiendo que es lesbiana.

La persecución no disimula cierta agresividad por la no correspondencia de Grimm. En ese día especial, todas las mujeres se les vuelven en contra: todas son sospechosas y cualquiera puede ser la responsable de estar esperándolo para darle la puñalada por la espalda, cobrándose viejas facturas impagas.



Este condimento psicológico está ahí, dando vuelta en la historia, sin ser parte central del relato. Es más, hasta hay una “justificación” histórica: el asesinato de la hermanita de Jack. El protagonista afronta una doble elección: perseguir a asesinos seriales, renunciando a una vida familiar por miedo a las represalias que puedan llegar de sus perseguidos. Hay un dejo de paranoia que torna más interesante las características del protagonista.

Estas ideas que nos sugiere la trama indican que “88 minutos” tiene algo más que el filme pochoclero que pretende ser. Por eso, merece ganarse nuestra atención y tenerla en la lista de elegibles para el DVD.



Frases:

Psiquiatra de día. Fiesta animal por las noches.

-Sólo no me pidas casamiento otra vez…
-¿Por qué? Somos perfecto el uno para el otro.
-Sí, sí… excepto porque yo soy gay y tú tienes fobia al compromiso.
-Por eso somos perfectos.

¿Qué se siente saber que tienes ochenta y ocho minutos de vida?

-La insanía es un concepto legal. No es un término médico o psiquiátrico, pero pese al hecho de que la insanía es un concepto legal, no significa que alguien no esté enfermo.
-Sí, Lauren. Todos los asesinos seriales han sido entrevistados y estudiados, incluyendo a Bundy, Dahmer, Gacy… ninguno de ellos estaba legalmente insano. Eso no quiere decir que fueran normales.



Tic, toc, doc.

-¿Puede perdonarme?
-Si no puedo perdonarte, Shelly, no te merezco.

Justicia y verdad. ¿Dónde está la intersección?

CONSEJO: esperar al DVD.

conozco la canción: la armónica de hugo díaz

En “Los falsificadores”, la película alemana que comentamos en el último post y que ganó el Oscar a Mejor Película Extranjera, suenan unos tangos clásicos, en una versión que seguramente tomará desprevenido a más de uno. Tras esa armónica que suena está el santiagueño Hugo Díaz, uno de los grandes músicos argentinos, fallecido en 1977 a los 50 años de edad.

Proveniente del folklore, Díaz hizo milagros con la armónica, ganando fama internacional. Entre sus hitos está el de haber tocado junto a leyendas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Ella Fitzgerald, Sara Vaughan y Oscar Peterson, reconocido en Alemania como uno de los mejores ejecutantes en la historia de la armónica. Hugo Díaz es el papá de Maví Díaz, la integrante de “Viuda e hijos…”.

En “Los falsificadores” se escuchan “Mano a mano”, “Amores de estudiantes”, “Cuesta abajo”, “Guitarra mía” y “Silencio” de su disco “Tangos” del año 1972.

Algunos links con más info sobre Hugo Díaz:

Nota en “Clarín”:
http://www.clarin.com/diario/2007/10/20/espectaculos/c-01101.htm

Nota en “La Nación”:
http://www.lanacion.com.ar/archivo/Nota.asp?nota_id=957286

Entradas de Hugo Díaz en “Acceder”:
http://www.acceder.gov.ar/es/buscador/creator:D%C3%ADaz,+Hugo,+Int%C3%A9rprete

La página de Hugo Díaz:
http://hugodiaz.ar.tripod.com/principal_hugo_diaz1.htm

Se pueden escuchar los temas del disco “Tangos” en:
http://www.tangostore.com/cds-2251-QUIEN-SOS-ORQUESTA-TIPICA-FERVOR-DE-BUENOS-AIRES

Un perfil de Díaz en:
http://doctajazz.com.ar/blog/?p=131

En youtube.com:

La versión de “Volver” en un homenaje a Hugo Díaz:



Trailer de la película “A los cuatro vientos”:



Videoclip de Mavi Díaz, la hija de Hugo, cantando la “Zamba del Ángel”:

las labores del antihéroe

LOS FALSIFICADORES

Basada en un hecho real, “Los falsificadores” nos describe la odisea de un antihéroe y hace hincapié en una observación no tan reconocida: hay veces que lo menos valiente es morir heroicamente. Sobrevivir es un oficio peligroso y, en determinadas épocas, una carga pesada.

La Operación Berhard fue un proyecto especial que los nazis implementaron, en un campo de concentración, reuniendo a los mejores falsificadores judíos para falsificar dólares y libras esterlinas. El cerebro de la operación fue Salomón Sorowitsch, habilísimo falsificador, cuya habilidad permitió que la Alemania Nazi lanzara al mercado cerca de 4 veces las reservas en libras del Banco de Inglaterra.



La película, muy acertadamente, no habla de eso. Habla de la labor de un antihéroe que, desde la más absoluta debilidad, emprende una lucha titánica para sobrevivir. Y esa lucha es mucho más dramática porque la sostiene desde una actitud de colaboracionismo que le reporta críticas de los propios aliados de barraca. Sólo cuando el régimen caiga y sus captores huyan del lugar, los compañeros de Salomón comprenderán el valor de estar vivos.



Pero, como todo antihéroe que se precie de tal, el suyo será un triunfo anónimo, una victoria que clamará en silencio. Su oponente en la barraca acapara el triunfo, con la brillante salvedad que ese héroe comprende, recién en ese instante de victoria, el valor del sacrificio del rival. Y que deberá llevar como una carga pesadísima, el título de héroe que los demás han querido darle.

El elenco de “Los falsificadores” es un ariete principal para el lucimiento de la muy buena historia, brillando con luz propia el trabajo de Karl Marcovics como el protagonista. Memorable actuación en una máscara antológica. Otro elemento vital, es la armónica de Hugo Díaz en la excelente banda de sonido, con tangos clásicos.



Escenas destacadas: el informe del Banco de Inglaterra sobre la libra falsificada; la liberación del campo de concentración; la visita de Salomón a la casa del oficial nazi y la charla de la mujer, rodeada de sus hijos; la escena del fusilamiento del joven enfermo de tuberculosis.



Frases:

Si te permito salirte con esto, Cualquiera intentará joderme. No es por los $150. Es una cuestión de principios.

-¿Sorowitsch? ¿Eres ruso? ¡Espero que no seas comunista!
-Lo suficiente, para compartir mi Champagne contigo.

¿Ganar dinero imprimiendo dinero? Imprimir dinero es más rápido, como un atajo.

Este aún es un campo de concentración. Pero las camas son suaves.

-¡Por favor! ¿Podrían apagar esa música de negros? Como si los alemanes no tuviésemos nuestra propia música.



¿Por qué no está Dios en Auschwitz? ¡Él no podría atravesar todos los cadáveres!

No les daré a los nazis el placer de sentirme avergonzado de estar vivo.

Prefiero esperar a la cámara de gas, mañana, que morir por una bala hoy.

Uno nunca delata a los compañeros.

-Realmente tuviste mala suerte. Tanto dinero... Tanto dinero…
-Podemos hacer nuevo dinero.

CONSEJO: ir a verla.

graffitis del mayo francés

De la investigación del Mayo Francés que publicamos el sábado pasado, encontramos en wikiquote (http://es.wikipedia.org/wiki/Wikiquote) una serie de graffitis garabateados por los manifestantes en esas semanas que hicieron temblar a Francia y al mundo. No resistimos la tentación de seleccionar algunos:

No queremos un mundo donde la garantía de no morir de hambre supone el riesgo de morir de aburrimiento.

No vamos a reivindicar nada, no vamos a pedir nada. Tomaremos, ocuparemos.

El patrón te necesita, tú no necesitas al patrón.

Soy un marxista de la tendencia de Groucho.

Seamos realistas, pidamos lo imposible.

Están comprando tu felicidad. Róbala.

Bajo los adoquines, la playa.

Olvídense de todo lo que han aprendido. Comiencen a soñar.

Somos demasiado jóvenes para esperar.

Dios: sospecho que eres un intelectual de izquierda.

Las paredes tienen orejas. Vuestras orejas tienen paredes.

La acción no debe ser una reacción sino una creación.

El que habla del amor destruye el amor.

Es necesario llevar en sí mismo un caos para poner en el mundo una estrella danzante (Nietzsche).

Tomemos en serio la revolución, pero no nos tomemos en serio a nosotros mismos.

No es el hombre, es el mundo el que se ha vuelto anormal (Artaud).

Todo el poder a los consejos obreros (un rabioso). Todo el poder a los consejos rabiosos (un obrero).

La imaginación no es un don, sino el objeto de conquista por excelencia (Breton).

Pensar juntos, no. Empujar juntos, sí.

Los que tienen miedo estarán con nosotros si nos mantenemos firmes.

Decreto el estado de felicidad permanente.

Prohibido prohibir. La libertad comienza por una prohibición.

Contempla tu trabajo: la nada y la tortura forman parte de él.

Queremos las estructuras al servicio del hombre y no al hombre al servicio de las estructuras. Queremos tener el placer de vivir y nunca más el mal de vivir.

Un policía duerme en cada uno de nosotros, es necesario matarlo.

La vida está más allá.

Mis deseos son la realidad.

Todo es dadá.

Abraza a tu amor sin dejar tu fusil.

Y sin embargo todo el mundo quiere respirar y nadie puede respirar; y muchos dicen “respiraremos más tarde”. Y la mayor parte no mueren porque ya están muertos.

En los exámenes, responda con preguntas.

No puede volver a dormir tranquilo aquel que una vez abrió los ojos.

Acumulen rabia.

Desabrochen el cerebro tan a menudo como la bragueta.

Yo jodo a la sociedad, pero ella me lo devuelve bien.

La voluntad general contra la voluntad del general.

Exagerar, esa es el arma.

La poesía está en la calle.

No se encarnicen tanto con los edificios, nuestro objetivo son las instituciones.

Si lo que ven no es extraño, la visión es falsa.

Empleó tres semanas para anunciar en cinco minutos que iba a emprender en un mes lo que no pudo hacer en diez años.

Dejemos el miedo al rojo para los animales con cuernos.

Fuente: http://es.wikiquote.org/wiki/Mayo_franc%C3%A9s

melothriller

LA DESCONOCIDA

Extraña mezcla de géneros en la última película de Giuseppe Tornatore. “La desconocida” empieza como un thriller, más o menos correcto. Algún trazo grueso (por ejemplo, el nerviosismo de la protagonista cuando espera una larga cola para hacer una réplica de una llave) parece algún lapsus de dirección más que un síntoma de lo que pasará después: la caída de la historia en brazos del melodrama.



Cuesta comprender la decisión de tomar un género menor cuando el thriller le venía como anillo al dedo a esta historia muy dura, truculenta, con una labor estelar de la rusa Kseniya Rappoport, la protagonista central de esta historia.



“La desconocida” es la historia de Irena, inmigrante a la que vemos insertarse como doméstica en un hogar italiano. Los flashbacks que matizan la historia nos sugiere que Irena viene escapando de un pasado de violencia como esclava sexual en Ucrania. De a poco, descubrimos que los pasos de Irena no son al azar: tienen una intencionalidad que apunta a la niña menor de sus empleadotes.



No develamos más la trama. Si nos dan a elegir, hubiéramos apostado a seguir con el thriller y a que la búsqueda de Irena hubiera sido un delirio suyo. Que hasta el cafiolo pelado que la persigue al final, fuera una alucinación. Digamos una especie de “La mano que mece la cuna” italiana. Pero Tornatore prefirió un formato que, sinceramente, termina desmereciendo la historia.



Vale destacar el muy buen trabajo de la rusa Rappoport, en un papel muy complicado, que exigió transformaciones físicas y emocionales notables. Si el filme no cae del todo, es por el buen trabajo realizado. (Of course, babita para algunos desnudos de la protagonista, pero… ¡estamos hablando de arte, che! ¡siempre con la idea fija!).



Escenas destacadas: las “lecciones” de Irena para que la chiquita aprenda a defenderse; la escena de la tijera; el casting con el que empieza la película.

CONSEJO: esperar al DVD.

mayo francés

Hace unas semanas, la revista “Ñ” publicó un dossier especial sobre el mayo francés. De la muy buena edición rescatamos un puñado de frases sobre ese acontecimiento que nos llamaron especialmente la atención.

“Una historia colectiva es una historia que decide no jerarquizar a los actores. Considera que el tipo que hace huelga en una empresa familiar en el este de Francia es igual de importante que un dirigente estudiantil”.
PHILPPE ARTIERES, historiador.

“A principios de 1968, la gente prefería leer sobre los casamientos reales que sobre los trastornos de la sociedad".
ALAIN TOURAINE

“Lo decisivo de Mayo del 68 es lo que resulta difícilmente explicable”.
EDGARD MORIN, sociólogo

“Nadie les ha enseñado a hacer lo que están haciendo; nadie le enseña al árbol la forma de dar sus hojas y sus frutos”.
JULIO CORTÁZAR

"Los eslóganes que se gritaban en La Sorbona o en Berlín oeste estaban dirigidos contra el capitalismo, la sociedad de consumo, la democracia burguesa y también contra Estados Unidos y la guerra de Vietnam. Para nosotros era una lucha por la libertad en la cultura, en las ciencias, en la memoria histórica, por la democracia parlamentaria y, en fin, especialmente visible en Checoslovaquia, contra el imperialismo soviético, no el americano".
ADAM MICHNICK, periodista polaco.

"No se puede condenar a Voltaire".
CHARLES DE GAULLE

“Lo más importante había sido la fusión entre Marx y André Bretón”.
HERBERT MARCUSE



“La rebelión fue una toma de la palabra salvaje, fundada sobre la pura invención: palabra contra-institucional, contra-parlamentaria, contra-mediática, contra-intelectual”.
ROLAND BARTHES

“Lo que estaba por suceder no tenía su propio vocabulario”.
MICHAEL FOUCAULT

“Los estudiantes de 1968 hacían el mundo de 2000, con el vocabulario marxista y obrerista de 1900”.
ALAIN TOURAINE

“Fue una escritura destituyente contra los que consideraban la palabra como una actividad ilusoria”.
ROLAND BARTHES

“No hay nada menos burgués que el movimiento estudiantil norteamericano, ni más burgués que el obrero de EE. UU.”.
HERBERT MARCUSE

“Nuestro combate no está motivado por una indignación moral: no condenamos a las clases dirigentes y al Estado por crímenes que hubieran podido no cometer, sino al contrario, la condenamos por crímenes que no podían dejar de cometer”.
JEAN-PAUL SARTRE

“…1968 cambió nuestra relación con nosotros mismos, nuestra construcción de la vida cultural, y en particular, nuestra relación con la sexualidad. La sexualidad se convirtió en una categoría sumamente estructurante de nuestras conductas, mucho más que las relaciones de trabajo por ejemplo”.
ALAIN TOURAINE

“¡Las estructuras no salen a la calle!”
Graffiti.

“Las estructuras salieron realmente a la calle”
JACQUES LACAN

“1968 es un choque entre dos conceptos de la izquierda, que siguen polemizando hoy, sin haber encontrado una respuesta. El primer concepto corresponde a la juventud, a las minorías, a las cuestiones culturales y sexuales. Son ideas nuevas, tan nuevas que no tienen apoyo político, lingüístico o ideológico. Entonces se recurre al viejo concepto de la izquierda, el de la clase obrera. En 1968, hicieron como si estuvieran juntos pero entre los círculos obreros y los círculos estudiantiles, las relaciones siempre fueron difíciles. Es más, el Partido Comunista se opuso de manera violenta al movimiento de 1968. Lo que pasó en Nanterre no era un socialismo revolucionario, era un anarquismo. El problema de nuestra sociedad, y en particular, el de la izquierda francesa de los últimos cincuenta años, es que tiene que elegir entre un vocabulario que ya no corresponde con la realidad y una realidad que todavía no tiene vocabulario. Esto es el sentido profundo de Mayo del 68”.
ALAIN TOURAINE

-¿Estaba usted el 22 de marzo en la Facultad?
-No, no estaba en la Facultad.
-¿Dónde estaba entonces?
-En mi casa.
-¿Y qué hacía usted en su casa a las tres de la tarde?
-Hacía el amor, señor presidente, algo que a usted seguramente no le ha ocurrido nunca.
Diálogo entre el presidente de un tribunal universitario y DANIEL COHN-BENDIT, líder estudiantil.

“Los estudiantes están haciendo el amor con el único mundo que aman y que los ama”.
JULIO CORTÁZAR

“Tiene cara de hijos de papá
Los odio como odio a vuestros papás”.
PIER PAOLO PASOLINI

“Hay una protagonista del libro que dice: ‘Ser el mejor de la clase, esto no es izquierdista. Lo que es izquierdista, es ser el mejor de la clase, sin esfuerzos, ¡como si nada!’ Es una linda manera de resumir nuestra paradoja”.
VIRGINE LINHART

“Al discurso le siguió otro discurso más apasionado, la multitud enfurecida aprobaba a gritos y de pronto alguien sugirió que fuéramos al sitio de la construcción y tiráramos abajo el cerco de cadena que se había erigido para impedir que entraran intrusos. La multitud pensó que la idea era excelente, así que inmediatamente una horda de estudiantes locos y enardecidos salió en dirección a Morningside Park. Para mi gran asombro, yo estaba con ellos. ¿Qué le había pasado al muchacho tranquilo que planeaba pasar el resto de su vida sentado en una habitación, solo, escribiendo libros? Estaba ayudando a tirar abajo el cerco. Hacía fuerzas y tiraba y empujaba junto con varios más, y a decir verdad, descubría bastante satisfacción en este acto desquiciado, destructivo”.
PAUL AUSTER

“Cuando ayer en Valle Giulia tuvieron un choque con los policías
yo simpaticé con los policías.
Porque los policías son hijos de pobres”.
PIER PAOLO PASOLINI



“Todo parece indicar que acabarán con una transacción: no hay contexto revolucionario en Francia, como si lo hay en América Latina”.
CÉSAR FERNÁNDEZ MORENO, poeta argentino

“(El Cordobazo y la muerte del Che) enmarcan al Mayo francés (...) las tres fechas quedan unidas imaginariamente por la juventud de sus protagonistas”.
BEATRIZ SARLO

“En México las multitudes tuvieron dos modos de articularse en 1968, en las manifestaciones y en los estadios donde se repartía el oro. Mientas oíamos el himno nacional, tal vez mi padre pensaba en el epitafio de Marx. Los filósofos interpretan el mundo pero no lo transforman”
JUAN VILLORO

“Estos períodos suelen ser períodos de gran efervescencia mítica y el Cordobazo adquirió muy pronto la dimensión de un mito. Teníamos nuestro Mayo, que se comunicaba con aquel otro del 68, pero el nuestro que no había hecho proliferar grafiti tan imaginativos, había sido más proletario, más plebeyo, más duro”.
CARLOS ALTAMIRANO

“Ustedes tienen un bajísimo nivel de violencia en las acciones de masas”.
ROBERTO MARIO SANTUCHO a un líder francés, de visita por las manifestaciones más violentas sobre Champs Elysées.

“Yo crucé por la historia como un zombi, sin entender el riesgo que mi padre corría para que yo viera a una niña rusa saltar en el cielo provisional de un gimnasio”
JUAN VILLORO

“Incuestionablemente, fue un fracaso político. Pero igualmente incuestionable fue el gigantesco temblor que sacudió nuestras concepciones antediluvianas de la sociedad, la moral y el Estado. Al cuestionar el autoritarismo, la revuelta provocó una explosión en el corazón de la estructura de poder bicéfala típicamente francesa, en la que se combinaban un gaullismo dominante y un Partido Comunista que manejaba la clase obrera”.
DANIEL COHN-BENDIT, líder estudiantil.

“Se puso en evidencia que no es el saber quien reformará el saber, sino la acción. No hay historia de las ideas por sí solas”.
JEAN-PAUL SARTRE

“Nada piden los estudiantes que no sea de alguna manera una nueva definición del hombre y la sociedad”.
JULIO CORTÁZAR

“Seamos realistas, pidamos lo imposible”
Grafitti

“¿Sólo ha sido un sueño, dónde está la ficción, dónde está lo real?”
MICHEL DE CERTEAU

“Para mí, esto es la libertad suprema: revolverlo todo”.
VIRGINE LINHART



FUENTES:

La mayor parte de los artículos del dossier de “Ñ” se encuentran en esta búsqueda de Google:
http://www.google.com.ar/search?hl=es&rlz=1G1GGLQ_ESAR250&q=*+site:http://www.revistaenie.clarin.com/notas/2008/05/17/&start=10&sa=N

Más del Mayo Francés en Wikipedia:
http://es.wikipedia.org/wiki/Mayo_franc%C3%A9s

Una colección de afiches callejeros del Mayo Francés:
http://www.taringa.net/posts/info/1199373/Mayo-del-68-en-gr%C3%A1fica-(Homenaje).html

vieja indigna

UNA DAMA DIGNA

A ver, imaginémonos cómo decidió un distribuidor local traer “Una dama indigna” para estrenarse en las pantallas argentinas:

-Che… ¿qué película está andando bien?
-Muerte en un funeral
-¡Ah! Algo así tendríamos que tener...
-Y… sí...

Momento de reflexión.

-A ver, ¿qué tiene de especial “Muerte en un funeral”, decime?
-Es británica…
-¡Eso! ¡Una película británica! ¡Eso es lo que tenemos que estrenar!
-Y… sí



Otro momento de reflexión.

-¿Qué película británica tenemos?
-Y… está…
-¡No! Corrijo. ¿Qué película barata británica tenemos?
- A ver… Está ésta…
-Ah… Puede ser… ¿De qué trata?
-No sé… de una viejita y un hotel…
-¿De cuándo es?
-De hace tres años…
-Está bien, no se van a dar cuenta que es vieja… Metamos ésta…

Otro momento de reflexión.

-Para… ¿qué vas a hacer?
-Ponerla en el DVD player…
-¿Por?
-No sé… ¿No tendríamos que verla antes?
-Noooo… ¿para qué?



Más o menos, sospechamos, así se decidió este “estreno” local. Un bodriazo digno de Hallmark, con calidad de telefilme barato, con una historia que no se sabe para dónde va ni adonde quiere llegar, actores mirando con gestos repetidos, diálogos que de tan profundos se desbarrancan en abismos insondables y movimientos de cámara dignos de un principiante. Es tal elemental lo que ofrece “Una dama digna” (traducción para Mrs. Palfrey en el Claremont”, título que resume el 99% de la trama) que cuesta creer que esto se exponga en la pantalla comercial y que hasta haya habido alguna crítica que le haya perdonado la vida.

CONSEJO: recomendásela a tu cuñada.

calaveras de cristal

El que busque veracidad arqueológica en las películas de Indiana Jones está mirando otro canal. El objetivo de Spielberg es entretener y pedirle exactitud histórica y geográfica es casi un capricho. No obstante, en la última película de Indiana Jones se hace referencia a un objeto que verdaderamente existe: las Calaveras de Cristal.

La historia cuenta que en 1924, el arqueólogo F. A. Mitchell-Hedges (una especie de Indiana Jones) estaba excavando en Lubaantun (Belice), en unas ruinas mayas, en lo que él esperaba fueran los restos de la Atlántida. Lo acompañaba su hija adoptiva Ana quien descubrió, bajo las ruinas de un altar, una calavera transparente de cristal de cuarzo.

La construcción de dicha calavera desafiaba las técnicas conocidas: había sido realizada en un solo bloque de cuarzo y su pulido fue realizado a contramano del eje natural del cristal, lo que dificultó considerablemente la tarea. Algunos hablaron de que para realizar esta reliquia se necesitaban 300 años de tallado.

El misterio estaba planteado en bandeja y empezaron a hablarse de que era un artefacto de la Atlántida y que poseía propiedades paranormales percibidas por quienes estaban cerca de la calavera de cristal. Otras calaveras descubiertas en distintos puntos del planeta, fomentaron la leyenda de la existencia de 13 cráneos que, reunidos, se interrelacionarían para dar un conocimiento oculto a la humanidad (pero sólo cuando fuera humilde, digamos, posiblemente nunca).

Estudios posteriores parecieron descartar la excepcionalidad del descubrimiento y aseguraron que la calavera había sido comprada en 1943 por Mitchell-Hedges en un remate en Sotheby’s por 400 libras y que era mentira su descubrimiento en las ruinas de Belice. Posiblemente el cráneo había sido fabricado en Alemania a fines del siglo XIX.

Como es de esperar, las posiciones a favor y en contra se han aglutinado alrededor de la calavera de cristal sin un dictamen definitivo. Anacronismo excepcional o fraude elaborado, la calavera de cristal existe y se exhibe en el Museo Británico. Y la leyenda de los 13 cráneos en la que se apoya la última aventura del Dr. Jones tampoco es un invento de guionista.

A continuación una serie de links y fuentes para quién quiera saber más sobre esta pieza de colección:

Un artículo en inglés de Wikipedia:
http://www.mitchell-hedges.com/category/skull-controversy/

http://en.wikipedia.org/wiki/Crystal_skull

Un artículo en español en Wikipedia:
http://es.wikipedia.org/wiki/Cr%C3%A1neo_de_cristal

Un análisis “escéptico”:
http://digital.el-esceptico.org/leer.php?id=54&autor=36&tema=28

El sitio oficial de F. A. Mitchell-Hedges:
http://www.mitchell-hedges.com

Un artículo completo de las 13 calaveras encontradas en el mundo:
http://www.taringa.net/posts/imagenes/1145207/Las-calaveras-de-cristal.html

Un informe sobre la veracidad de los cráneos:
http://esencia21.wordpress.com/2008/05/26/dos-de-las-calaveras-de-cristal-podrian-ser-fraudes-modernos/

Un informe de un programa español:

Indy llamando a casa

INDIANA JONES Y EL REINO DE LA CALAVERA DE CRISTAL

Cuando efectuamos la crítica del episodio 3 de “La guerra de las galaxias”, dijimos (o creemos haber dicho) que hay películas que te tiran todo el peso de la historia encima, que terminan siendo juzgadas más como fenómeno de masas que como hecho cinematográfico en sí. La saga de Indiana Jones cuadra en esa categoría. Porque desde la excepcional “Los cazadores del arca perdida”, Spielberg nos regaló la oportunidad de volver a sentirnos el pibe de ayer, sentados en la butaca, podíamos colgarnos del mástil más alto del buque pirata y arrojarnos, indemnes, al centro del combate. La aventura en su forma más pura, más simple, más honesta. Eso era Indiana Jones y ése era la mochila histórica que traía en su reaparición en este nuevo milenio.



Y cuando vemos la sombra del tipo poniéndose el sombrero, recortado contra la puerta de un jeep militar, sentimos todo el peso de la historia. Indiana Jones se ha convertido en algo más que un personaje cinematográfico: se ha vuelto un clásico.



Los primeros 20 minutos de película nos ilusiona con ese vértigo de huidas concatenadas y salvaciones por un pelo, con un héroe sesentón pero todavía audaz y con malos muy malos, en pleno auge de la Guerra Fría y principios del maccartismo. Estos son los mejores momentos de “Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal”. Acción y bajada de línea. Una combinación perfecta.

Pero a poco de avanzar la trama (desde que aparece Mutt Williams, en su moto), el modelo del arqueólogo aventurero empieza a mostrar signos de fatiga. Como bien dijo un amigo de la casa, sabemos que la película va a terminar con un templo que se desmorona. Y lo que se derrumba es la trama que cae en más de un lugar común. El final fusiona ET con Indiana.

Sin ser un fracaso, sin ser un bodrio, esta nueva aventura de Indiana Jones no es épica, no es antológica, no es brillante. Y eso es un punto en contra considerable.



Harrison Ford recupera parte de la gracia que perdió en el final de su carrera. Otro punto fuerte es John Hurt (un clásico) y quien se luce opacando a todos, es Cate Blanchet como la agente soviética villana de turno. Del resto del elenco, poco y nada, más que acompañar.



Escenas destacadas: el gag de la boa-cuerda en las arenas movedizas; el primer escape de Indiana del depósito militar; la sombra de Jones calzándose el sombrero, en los primeros momentos del filmes; el escape en heladera de la explosión nuclear; la pelea sobre los jeeps.



Frases:

-Rusos.
-¿Pensabas que iba a ser fácil?
-No tan fácil como solía ser.

Usted es un hombre difícil de leer Dr. Jones.

-¿Por qué, Mac?
-¿Qué puedo decir, Jonsy? Soy capitalista. Y me pagarán.

-¿No tiene algunas últimas palabras Dr. Jones?
-Me gusta Ike.

¿De qué se me acusa exactamente además de sobrevivir a una bomba nuclear?



-Nunca debí dudar de ti amigo.
-No. Tienes razones para cuestionar a tus amigos en estos días.

Buen intento, chico. Pero trajiste un cuchillo... a una pelea de pistolas.

Si quieren ser buenos arqueólogos, tienen que salir de la biblioteca.



-Tres veces cae... tres veces cae.
-¿De qué esta hablando?
-Quiere decir... Uno…

Cuanto de la vida humana se pierde en esperar.

CONSEJO: sólo para fanáticos. El resto, esperar al DVD.

petra, ciudad oculta

El osado Johann Ludwig Burckhardt había nacido en Suiza a fines del siglo XVIII, se educó en Alemania y consiguió financiamiento inglés para realizar exploraciones en Africa y Medio Oriente. Era un aventurero que, animado por una curiosidad que podía terminar con su vida, se internaba en regiones desconocidas y peligrosas hasta ese momento.

En 1812, atravesó el rocoso desierto que integraba la bíblica y roja tierra de Edom, que ahora pertenece a Jordania. Atendió a una leyenda de los beduinos, que decían saber dónde Moisés había logrado hacer brotar agua de una piedra y dónde había sido enterrada su hermana Miriam. Quedaba al sudeste del mar Muerto, en el lugar más hondo del planeta.

Caminó privado de agua y comida hasta descubrir una estrecha y espectacular quebrada por donde, en los tiempos antiguos, corría un arroyo. La seca penumbra se tornaba ominosa, apretada entre los altísimos muros donde se sucedían colores provistos por minerales, alguna gota de agua que alimentaba a un arbusto raquítico y el vacilante movimiento de la luz. De súbito debió cerrar los párpados. Lo encandiló el espacio enorme que se abría delante, y en cuyo frente lucía la fachada solitaria y bellísima, casi intacta, de un palacio helenístico. Había develado a Petra -la bíblica Rekem, en hebreo- sobre la cual escribieron Flavio Josefo, San Pablo, Eusebio, Plinio, San Jerónimo y hasta es mencionada en los famosos rollos del mar Muerto.

Hacía siglos que nadie se refería a ese lugar abandonado. Burckhard informó sobre su hallazgo a Occidente y después se disfrazó de musulmán para convertirse en el primer cristiano que visitaba clandestinamente La Meca. Hizo, además, fructíferas exploraciones en Egipto.

(…)

Desde Israel, se puede llegar por dos caminos. Uno es volar hacia Amman -llamada Philadelphia en los tiempos romanos y Ammon en la Biblia-. Luego, hay que seguir más de 200 kilómetros por tierra. Otra alternativa más sencilla consiste en dirigirse a Eilat, el puerto sureño de Israel, que da al mar Rojo. Por allí, el rey Salomón importaba las riquezas de Ophir y en esa misma tierra desembarcó la reina de Saba.

Desde Eilat se llega enseguida a la jordana ciudad de Akaba. El cruce es fácil y amistoso desde que Jordania firmó la paz; ya no existen la competencias por llegar a Petra en forma oculta. En Akaba se luce el antiguo fuerte que conquistó Lawrence de Arabia al encabezar el histórico levantamiento de la región contra el imperio otomano.

Un camino bien pavimentado y guías jordanos nos condujeron de Akaba a la magnética Petra. Se nos había advertido de vestir ropas livianas y tener a mano botellas de agua. El camino zigzaguea por orgullosas formaciones rocosas. Sólo aparecen algunas mínimas aldeas o tolderías nómadas en torno de las cuales los hocicos de las cabras se esmeran por descubrir una brizna comestible.

El viaje termina en Wadi Musa (el arroyo de Moisés), donde los lugareños insisten en que el patriarca hizo brotar agua de las piedras. Hasta hace poco, era un poblado irrelevante; ahora es una ciudad con hoteles, restaurantes, calles pavimentadas y algunos canteros con flores.


(…)

Petra fue la capital de la extinguida civilización nabatea, que derivaba de tribus nómadas a las que les estaba prohibido sembrar, plantar árboles o construir viviendas para mantener su trashumancia. Hablaban arameo y adoraban dioses y diosas semejantes a los que predominaron luego en la península Arábiga, en los tiempos preislámicos. Se tornaron sedentarios al empezar a labrar grutas en las rocas para sepultar a sus muertos.

Impresiona la cantidad de tumbas, porque se extienden por vastas superficies. Algunas responden al período antiguo, con reminiscencias funerarias egipcias, y otras son posteriores, a las que se agregaron frontispicios grecorromanos. Pero el gran aporte de los nabateos fue su inteligencia para aprovechar la escasa agua del lugar. Levantaron pequeños diques, construyeron cisternas, cincelaron canales y ordenaron el curso de arroyos estacionales. Su vida independiente se extendió durante unos siglos antes y algunos después del nacimiento de la era cristiana.

La protección que brindaba el mareante círculo de torres naturales, más la dificultad que significaba el ingreso a través de gargantas estrechas y oscuras, convirtieron a Petra en un privilegiado almacén por donde pasaban las caravanas de camellos, mulas, caballos y estrechos carruajes que iban con sus mercaderías del sur arábigo al lejano norte sirio, y del mar Mediterráneo hacia el este babilónico, que ensambló más adelante con la ruta de la seda. Además, los nabateos empezaron a destacarse en las artesanías del cuero, el vidrio y la cerámica, hasta desarrollar un estilo que los arqueólogos distinguen con facilidad. Sus tesoros se tornaron quiméricos y despertaron la codicia de los conquistadores, entre los que figuraron Pompeyo y Trajano. El reino nabateo había tenido que enfrentar de manera sucesiva a los asirios y los griegos; luego, a las interminables legiones romanas.

Más adelante trasladaron su capital a Palmira, centenares de kilómetros al norte, ciudad que se convirtió en la más deslumbrante del Medio Oriente, con templos, palacios y monumentos bellísimos, muchos de los cuales conservan grandes porciones intactas. Pero Palmira y Petra estaban condenadas a la declinación. Ni siquiera las conquistas árabes ni el ingreso de los cruzados pudieron devolverles su esplendor.

(…)

Petra creció y murió por esa razón. En un determinado lapso, el aislamiento funcionó como amparo, pero a la larga llevó a la muerte. Las fronteras rocosas fueron magníficas para impedir el ingreso de invasores, pero luego se convirtieron en su ataúd. Hacía demasiadas centurias que nadie la recordaba; ni siquiera los eruditos en historia lugareña. Había sido tragada por el desierto, disuelta en las nubes de un calor de brasa encendida.

Burckhardt, disfrazado de jeque, la devolvió al mundo gracias a su irrefrenable vocación exploradora. Pensaba que cualquier leyenda tenía un grano de verdad y quiso saber si Moisés, su hermana Miriam y su hermano Aarón habían andado por allí. Se internó en el laberinto de montañas calvas que aún siguen produciendo terror. Y caminó el largo y angustiante desfiladero hasta dar de narices con la magnificencia que se despliega a su término, como un escenario onírico. Con exageración, algunos pretenden incluirla entre las siete maravillas del mundo.

“Reflexiones en la ciudad de los muertos”
MARCOS AGUINIS

(la nación, 06.06.08)

el código Martínez

LOS CRÍMENES DE OXFORD

Sospechamos que las limitaciones de “Los crímenes de Oxford” provienen de la novela (confesamos no leída) de Guillermo Martínez. El guión tiene la levedad dramática de “El Código Da Vinci”, con personajes hablando didácticamente y moviéndose a espasmos en la trama, a medida que le van ocurriendo “cosas”. Hay un enigma para resolver (muertes que, por la presencia de “pistas imperceptibles”, sugieren la existencia de un asesino). Pero como ya sabemos desde hace rato, si una historia de suspenso se centra sólo en quién es el asesino, la trama es incompleta. Es el mayor pecado de “Los crímenes de Oxford”: la falta de brillo.

Alex de la Iglesia recurre a todos sus trucos de cineasta para levantar una historia muy expositiva, entre ellos un plano-secuencia antológico (de la cara de un personaje a la cara de un cadáver, síntesis perfecta de la película). Pero el guión sigue siendo un elemento central del cine y, en este caso, no hay manera de levantarlo. Definitivamente “Los crímenes de Oxford” es una película menor en la historia del director español.



Para destacar, la brillante labor de John Hurt. Sólo su capacidad logra quebrar las debilidades de los parlamentos y aportar algún espesor dramático a su personaje. Otra destacable es Leonor Watling, especialmente cuando se desnuda. Muy sensual la actriz española, derritiendo la pantalla. (Para el almanaque del camionero, nos quedamos con su look delantal para hacer la comidita a la mañana). Los ojos de Elijah Wood distraen más que sus carencias actorales. Parece mentira, pero hay momentos que dan ganas de que mire para otro lado.

Frases:

¿Podemos conocer la verdad? Todos los grandes pensadores han buscado una sola certeza, algo que nadie pudiera negar, como "dos y dos son cuatro". Para encontrar esa verdad, Wittgenstein utilizó la lógica matemática. ¿Qué mejor medio para obtener una certeza que un lenguaje inmutable, libre de las pasiones de los hombres? Avanzó lentamente, ecuación tras ecuación, con un método impecable, hasta llegar a una conclusión aterradora. Que no hay tal verdad fuera de las matemáticas. No hay forma de encontrar una sola certeza absoluta, un argumento irrefutable que pueda dar respuesta a las preguntas del hombre.
La filosofía, por lo tanto, ha muerto, porque "de lo que no se puede hablar, mejor es callarse."



Es un genio, pero hay algo en lo que no se diferencia del resto: le gustan las jovencitas.

Al ser incapaz de adecuar la mente a la materia, el hombre tiende a conferir algún tipo de entidad a las ideas, porque no soporta la idea de que lo puramente abstracto no exista más que en nuestro cerebro.

Llevamos décadas oyendo hablar de esa maldita mariposa, pero ¿quién ha sido capaz de predecir un solo huracán?

¿Dónde están esa belleza y esa armonía en el cáncer?

Porque preferimos pensar en copos de nieve o en mariposas antes que en el dolor,
en la guerra, o en ese libro. ¿Por qué? Porque necesitamos creer que la vida tiene sentido, que todo se rige por una lógica, no por mero azar.

Cometerá otro crimen que casi no sea un crimen. Un crimen imperceptible...



-Aunque sepamos que el crimen se comete en el comedor, con el cuchillo que la Srta. Amapola estaba allí en el momento del crimen y que sus huellas están en el cuchillo, no podemos afirmar con absoluta certeza que ella cometió el crimen.
-¡Venga ya, la probabilidad es de un 99%!
-Eso no es certeza absoluta. Es una opinión.

Jesús era un terrorista. Lo fue toda su vida. Un revolucionario que echó a patadas a los mercaderes del templo.

Son cuatro letras que repite una y otra vez. El nombre de una mujer.



La serie del asesino es infinitamente más compleja.
No dejes que Seldom entre en tu cabeza. Si lo hace, no hay manera de sacarlo de ahí.

Digo que no necesitas subir a un avión. Ya estás muy lejos de aquí.

Aquí hay una verdad absoluta: todo es falso.

CONSEJO: esperar al DVD.

diseño y ciencia

Fragmentos del reportaje a Joan Costa en el suplemento “Enfoques” de “La Nación” de ayer:

Yo tengo vocación por el diseño de utilidad pública, el diseño de la información, y ningún interés por el diseño al servicio de la persuasión, que es el lenguaje de la publicidad. Yo no quiero ni persuadir ni que me persuadan, prefiero informarme e informar, y que cada uno se persuada sólo.

(…)


…la dictadura del marketing me produce urticaria, porque considera que el mundo es simplemente un mercado y los individuos sólo potenciales consumidores. Este es un reduccionismo que crispa a un humanista. Desde la comunicación entendemos que el mundo es fundamentalmente una sociedad, en la que encontramos el mercado, seguro, pero también las instituciones, los gobiernos, los museos, la cultura. Y el individuo, además de consumidor, es una persona que vota, que lee, que tiene un proyecto personal y un larguísimo etcétera. Y aquí el diseño tiene un rol importante en la construcción social.

(…)

Seguimos rodeados de pictogramas, desde las indicaciones para distinguir el baño de varones del de mujeres hasta los carteles que nos invitan a tirar la basura en un cesto. La señalética se apoya en el sistema pictográfico. Otro ejemplo: antes de que naciera el alfabeto griego los fenicios tenían un protoalfabeto de 22 consonantes, ausente de vocales. Las vocales no se dibujaban, pero se leían, porque la escritura las sugería. Muchos de los mensajes que hoy se envían por celular utilizan un código similar: se soslayan las vocables, aunque de algún modo allí están y se "leen".

(…)


Déjeme darle un ejemplo. Un japonés visita Barcelona y en la calle le pregunta a una chica cómo llegar a la catedral. La chica toma papel y lápiz y dibuja unas calles y un semáforo, unas flechas y al final, la cruz: allí está la catedral. La chica entonces tiene un conocimiento particular -la ubicación de la catedral-, hace una abstracción mental y traduce ese conocimiento a un esquema visual sobre un papel. Ese esquema le sirve a otra persona para obtener ese conocimiento de manera empírica: el japonés llega a la catedral. Esta capacidad de esquematizar es sensacional, está muy extendida y es uno de los mecanismos esenciales de la comunicación científica.

(…)

La Unión Europea pretende para su futuro ser la primera potencia mundial en conocimiento, de modo que todos los países que la integran están obligados a invertir el 0,7% de su PBI en investigación, desarrollo e innovación. Gracias a este contexto, en España recuperamos a muchos científicos que se habían ido a trabajar a EE.UU. y se está creando un corpus de conocimiento muy importante en esos tres campos. Paralelamente se hicieron estudios para investigar cómo la gente ve a la ciencia, y la gente dice que la ciencia es una cosa importante, una cuestión de sabios, pero lejana, ajena y que en nada le concierne. De modo que la conclusión es que hay que acercar el conocimiento científico a la gente.

(…)

Leo en el periódico que el comisario español de la UE dice que hay que llevar la ciencia "a pie de calle", es decir, traducirla para hacerla accesible al gran público. Yo le dije que si ése es el objetivo uno no tiene más remedio que convertir el conocimiento científico en visual, porque la gente cree en lo que ve. La frase de Einstein es elocuente: "Si no lo puedo dibujar es que no lo entendí".

(…)

Y aquí creo que la analogía es uno de los mecanismos principales. Tiene un inmenso valor didáctico, porque se trata de adquirir un conocimiento nuevo basándose en algo conocido. Si un niño sabe cómo funciona una bomba de agua, pues podrá entender cómo funciona un corazón. La idea es que la cientigrafía se convierta en el lenguaje de la visualización del conocimiento científico.

(…)

Hay un caso paradigmático. En el siglo XVI, Mercator consiguió algo imposible: que viéramos todos los puntos de una esfera al mismo tiempo. Mercator fue el primero que proyectó toda la superficie de la Tierra en una planimetría, y de alguna manera hizo visible algo que hasta ese momento era invisible. Socializó un conocimiento específico para todos. Esta es una de las facetas en donde el diseño debe abrirse paso para la cultura, la educación, para el civismo. Porque al diseño actual le sobra tecnología y le falta metodología y filosofía.

Reportaje de CARLOS GUYOT a JOAN COSTA
“El diseño socializa el conocimiento”
(enfoques, la nación, 01.06.08)

Más artículos de Joan Costa en:

www.foroalfa.com

Gracias, Fede!