29.11.08

anomalías del espejo

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ESPEJOS SINIESTROS

“Espejos siniestros” es una remake de una película coreana, dentro de esa larga tradición de Hollywood de hacer malas réplicas de producciones de otros países. Tiene la factura y el nivel de desarrollo de un telefilme, por lo que no vale mucho la pena analizar las debilidades (muchas) y virtudes (algunas) de esta versión. En su lugar, es mejor especular sobre algunas ideas del terror basado en las fallas especulares.

“Espejos siniestros” es la historia de un ex policía y alcohólico en recuperación, cuidador de un hotel en ruinas que descubre que los espejos del lugar muestran imágenes distintas de lo que debería mostrar. Pronto descubrirá que hay una maldición y un secreto que lo persigue de tal modo que pondrá en riesgo a su familia.

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En los ’70, esta historia nos hubiera asustado. Hoy provoca un bostezo. Pero tiene algunas escenas bien logradas, algún efecto especial imaginativo, está Kiefer Sutherland haciendo de Jack Bauer y Paula Patton, una linda morocha, que se destaca cuando se moja la ropa en la casa inundada. No mucho más que sea destacable.

Interesa analizar el terror basado en las anomalías del espejo. Básicamente, el espejo es un mecanismo simple: replica fielmente los movimientos del reflejado, con una sincronía axial. Uno puede admirarlo o ignorarlo, pero desde el primer espejo (probablemente derivado de un primigenio charco de agua), este accionar no ha mostrado fallas ni fatiga. (Una pregunta: la imagen reflejada existe en forma independiente al ojo que la mira. O todo reflejo es tal a partir de ser visto).

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El terror (como el humor) es sacar algo de su lugar habitual, para provocar sorpresa (una carcajada o un grito). Un muerto que se levanta y nos habla; un esqueleto que camina; un gato que nos acecha amenazante en vez de huir. Que un espejo abandone el fiel cumplimiento de su accionar (el de la imitación incesante) es un buen principio para causar terror.

Una escena bien lograda de “Espejos siniestros” es aquella en que la madre entra en la habitación de su hijo (que está hablando, frente al espejo del placard, con un “amigo imaginario”) y le dice que tienen que salir. El pibe se levanta y se va. Pero el chico del espejo permanece sentado. La madre se para frente al espejo y mira atónita la anomalía. El pibe (el reflejo de su hijo) la mira, negándose a la normalidad. Esa sencilla situación provoca un escalofrío que no iguala la aparición de la poseída monstruosa que encontramos al final de la película. Es un ejemplo de cómo el miedo alcanza su máximo potencial cuando aparece de improviso en medio de una situación normal (M. Night Shyamalan es un eximio practicante de este recurso).

No recuerdo películas con esta presencia del espejo incorrecto (si infinidad de chistes y gags visuales sobre el reflejo rebelde). Estaría el antecedente de esta película coreana en la que se basa “Espejos siniestros” y, algún memorioso, me citó alguna película de los ’50 (que no vi). En literatura está el caso de Wilde con el retrato de Dorian Gray (un cuadro en vez de un espejo pero con la idea de la imagen anómala). Tengo remembranzas de algún cuento en el cual el personaje se mira en un espejo que muestra la imagen de un futuro próximo, el de los siguientes diez minutos. Como es de esperar, se sugiere la inconveniencia de conocer el futuro, porque el protagonista malinterpreta toda la visión. Algunas de las historias de las Mil Noches y Una Noche, si mal no recuerdo, se centra en las visiones de un espejo.

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Lo de Alicia tras el espejo juega con otra idea a lo Narnia: la existencia de un muro paralelo detrás del cristal, un universo simétrico (recordar esto con el final de “Espejos siniestros”). Habría que preguntarse si una imagen anómala es el síntoma de un Universo paralelo o no. Esto es, si la mera presencia de un individuo es condición necesaria y suficiente para la existencia de un Universo. La pregunta es crucial: subordina la naturaleza de la individualidad a la prexistencia de un todo contenedor o (tal vez) la niegue.

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(Alguna vez imaginé una historia de un hombre que va a matar a otro en una casa a oscuras y ve, entre las sombras, su reflejo en un espejo. Se arrepiente y no mata a su víctima, alejándose del lugar. Al otro día, descubre que el hombre ha muerto y que los testigos señalan un sospechoso con sus propios características. La clave del relato policial está en que, en realidad, el espejo nunca existió: el hombre se paró frente a una puerta abierta, en el preciso instante en que su hermano gemelo se detenía a mirarlo. La imagen que veía era la suya, pero en otro. Y el hermano era el que había matado al enemigo en común. Ambos habían visto al otro, creyéndose que se veían. La historia no fue escrita, pero la idea original tiene cierta gracia.)

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Es de interés pensar si el espejo es un mecanismo con memoria, esto es, si “carga” las imágenes para que puedan ser disparadas en otro momento, otro lugar. La anomalía radicaría no en la independencia de la imagen reflejada, sino en su rezago, su distorsión en el tiempo y el espacio. Debemos reflexionar sobre la cuantía del rezago para dosificar el terror. Digamos, un rezago de 2 segundos, es más efectivo (en términos de terror) que de 2 minutos. Regla general: la pequeña anomalía es más monstruosa que la gran anomalía. Más aún: el máximo terror se alcanzaría con la mínima anomalía, no detectada nada más que por el espectador.

Ahora recuerdo otra anomalía célebre: la inexistencia del reflejo. El subgénero de terror lo redujo a una especie de Evatest vampírico. Como el dedo meñique de “Los Invasores”o la linfa verde de “X-files”, esa reducción al expediente burocrático le quita tenor poético al recurso.

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Una última especulación: la coexistencia de varios universos tras el espejo o de una única continuidad existencial. Los cristales son meros portales a ese mundo (o a éste, según del lado del vidrio del cual se mire). Hablo de varios, pueden ser infinitos; una proyección de infinitos universos, de un lado al otro del cristal. Lo que nos lleva a preguntarnos porqué quedarse sólo en un nivel del cristal, sino pueden ser ellos infinitos y los reflejos se multipliquen en desordenados niveles de infinitas proyecciones.

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De todas las propiedades del espejo, hay una admirable, la que sucede cuando se enfrentan dos de ellos, provocando la multiplicación de una imagen hasta el infinito. Todas las otras aproximaciones al infinito son experimentos mentales (sucesiones matemáticas, estrellas en un cielo oscuro, las cifras decimales del número Pi): sólo los espejos encontrados nos proporcionan la visión del infinito.

Todos la imágenes y en realidad sólo una. Metáforas de la nada o del Universo o de la inexistencia de la individualidad.

He ahí una anomalía no explotada: la de los espejos encontrados que reflejen una sola y única imagen. Quiero creer que ese sería el reflejo de Dios.

CONSEJO: dejar pasar si no es fanático del cine de terror. En tal caso, esperar al DVD.

28.11.08

la tumba de Quiroga

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Tras su asesinato en Barranca Yaco, el cuerpo del General Facundo Quiroga descansó en la catedral de Córdoba, hasta ser traído a Buenos Aires para las honras fúnebres ordenadas por Juan Manuel de Rosas. Los pobladores salían a la ruta, para honrar el paso del cortejo con el cuerpo del General Quiroga.

La primera parada fue en la Iglesia de San José de Flores donde descansó unos días, hasta su traslado definitivo, en la entrada del Cementerio del Norte, actual Cementerio de la Recoleta.

La imagen de la Virgen Dolorosa que corona la tumba, realizada en mármol de Carrara, fue la primera imagen artística del cementerio. Traída de Milán, fue realizada por el escultor italiano Antonio Tantardini, amigo de Antonio Demarchi, esposo de Mercedes, hija de Facundo Quiroga.

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Hasta hace unos pocos años, el ataúd conteniendo el cuerpo del General Quiroga estaba desaparecido. La tumba estaba vacía y existía una leyenda de que el cajón había sido escondido en la bóveda de la familia Demarchi.

En diciembre de 2004, el arqueólogo Daniel Schalvezon certificó que, en una pared hueca de la bòveda que se visualizó con radar, se encontraba el ataúd de Facundo Quiroga. El yerno de Quiroga lo había escondido en 1877 cuando, en un acto de furia ante la noticia de la muerte de Rosas, una turba intentó derribar la imagen de la Virgen Dolorosa y destruir la tumba. Antonio Demarchi temiendo que se profanaran los restos de su suegro, escondió el ataúd en la bóveda familiar, detrás de una pared especialmente construida. La única manera de acomodar el sarcófago fue ubicarlo en posición vertical, dando por cumplida la leyenda de que Facundo Quiroga quería ser enterrado de pie, como el valiente que supo ser en vida.


FUENTES:

“Historias ocultas en la Recoleta” de María Rosa LojoRoberto L. Elissalde, Ed. Alfaguara.

“Ciudad de ángeles” de Omar López Mato, Ed. Grijalbo.

Reportaje a Omar López Mato en “Noticias”:
http://www.noticias.uol.com.ar/edicion_1500/nota_05_2.htm

Notas sobre el descubrimiento del sepulcro de Quiroga, en “Clarín”:
http://www.clarin.com/diario/2005/02/12/sociedad/s-04401.htm

en “Página 12”:
http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/las12/21-1773-2005-02-20.html

y en “La Nación”:
http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=679317

Del sitio del arquéologo Daniel Schalvezon:
http://www.danielschavelzon.com.ar/?p=5#more-5

El sitio sobre el Cementerio de la Recoleta:
http://cementeriodelarecoleta.com

Un paseo virtual por el Cementerio:
http://www.buenosairesteinvita.com.ar/cementerio_paseo_virtual.htm

Un muy buen blog sobre el cementerio aunque no habla de la tumba de Quiroga:
http://cementeriodlarecoleta.blogspot.com/

27.11.08

frases de "Un plan brillante"

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Vaya. Debo tener cuidado con lo que deseo. Tenerlo todo a los 25 no puede ser biológicamente correcto.

-Buenos días, Sr. Hobbs.
-Intenta ganarle al amanecer, Srta. Quinn?
-Literalmente, Henry. Literalmente.

Subsidiarias mundiales de la Corporación: 1223. Directoras mujeres: 0.

-Logró despertar mi curiosidad. Ahora me pregunto qué quiere.
-Creo que la pregunta, Srta. Quinn es: ¿qué es lo que usted quiere?

-Ballet, vodka y diamantes, tres cosas más preciadas para los rusos.
-¿Cuál prefiere usted?
-Los diamantes, claro. Brindo por eso.
-¡Santo cielo! ¿Qué habría hecho si hubiera dicho ballet?
-Le habría pedido que bailara conmigo.

-¿Es cierto que les pagó 100 libras a las familias de los mineros que murieron en la protesta?
-Anónimamente. Sacó las balas de los ataúdes. Debería de haber un descuento para eso.
-¿Qué clase de hombre hace algo así?
-Un hombre con conciencia.

-Dígame cómo puede hacerse.
-Hay una posibilidad. Pero no funcionará...

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Yo seguiré adelante con esto. Y no finja que no lo quiere, porque lo quiere más que yo. Quiere una vida que signifique algo. Y sabe que ésta es la única manera
de conseguirla.

En su opinión profesional, Srta. Quinn, ¿quiénes diría que son los enemigos de la Corporación?
-Es una lista larga. Somos una compañía global.

-Un minuto no es mucho tiempo.
-Es suficiente para pasar sin ser visto.

Por 30 años les pagamos desmedidas sumas de dinero por asegurarnos. Lo hicimos con la esperanza de que un día recibiéramos algo a cambio. Ese día llegó, Sinclair, ¿y qué? Nada. Lo destrozaré, Sinclair. Le quitaré todo lo que tiene.
Y luego orinaré sobre su tumba.

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¿Sabe cuál es la sustancia más dura del mundo? El diamante. Si lo frota con un paño, suelta una carga. Si lo pone en agua, sale seco. Su único enemigo es otro diamante.

-¿Tiene pasatiempos, Sr. Hobbs?
-Sí, leo un buen libro de vez en cuando.
-¿Algo en particular?
-Graham Greene, H. G. Wells, a veces Emily Dickinson.
-¿Nada más radical? ¿No tiene literatura rusa en su colección?
-Intenté leer “Guerra y paz”, pero no pude terminarlo.

¿Conoce esa frase que dice que dos males un bien no hacen? Tonterías. A veces, para hacer un bien, hay que hacer un mal igual.

Quizá la motive a ver más allá de estos muros de mármol. Hay un mundo extraordinario afuera.

-¿Por qué es que nadie se casó con usted?
-Mi madre decía: "Ganarle a los chicos no te hará popular ni feliz". Tenía razón.

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Aunque parezca extraño, no soporto la idea de que pase el resto de su vida tras las rejas.

Le sorprenderá cuánto se tarda en donar 100 millones de libras. Me ha tomado 40 años. Y recién hoy doné el último centavo. Al fin soy libre. Hay un mundo extraordinario afuera. ¿Usted dará o tomará?

26.11.08

diamantes para el desayuno

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UN PLAN BRILLANTE

“Un plan brillante” (“Flawless” = impecable, el título original) es un muy buen guión del género “robo de bancos”, con una bajada de línea política que le da cierto fulgor. Si la película no es épica, se debe al muy flojo final. Pero el 90% restante es una historia que mantiene el suspenso, con dos actuaciones notables.

Esta es la historia de Laura Quinn una ejecutiva que busca una gerencia en el misógino staff de la principal compañía de diamantes en el Londres previo a la liberación femenina de los '60. Quinn es más inteligente, dedicada y capaz que el resto de los directivos de la empresa. Pero no es considerada sólo por ser mujer. A la hora de las designaciones, Quinn es elegantemente apartada de la lista de ascensos.

Quinn es una mujer madura, solitaria, que ha relegado su vida personal por la empresa. Y ahora, la empresa está a punto de soltarle la mano. En ese momento, hace su aparición Mr. Hobbs, un simple conserje que le hace un ofrecimiento: robar un puñado de diamantes de la bóveda de la empresa para financiarse un retiro.

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Ese es el puntapié de una trama que gira en cada momento, como los propósitos de los protagonistas. Nada parece ser lo que se preveía un rato antes. Sin brillantez, pero con eficacia, el guión de Edward Anderson despliega los distintos momentos de este mecanismo de relojería. Sólo el final parece de otra película, demasiado charlado y pueril. Pero podríamos obviarlo sin que pierda significado la historia previa. Estimado espectador, haga dicho experimento intelectual y la película ganará varios puntos.

Si el guión es sólido, debe destacarse la fortaleza del elenco principal. De Michael Caine no hay nada más que decir. Mucho más sorprendente es lo de Demi Moore (una debilidad de la casa) que parecía condenada a una carrera arruinada. Su composición de Ms. Quinn es memorable. Noten el rictus de decepción de una mujer que ha nacido 20 años antes y que no puede disimular su disgusto de darse la cabeza contra la pared. Ambos son los puntales que sostiene la trama.

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Escenas destacadas: la charla en el cine entre Mr. Hobbs y Ms. Quinn; la visita de Quinn a la bóveda, luego del robo; la última charla entre Hobbs y Quinn en las cloacas de Londres.

Las mejores frases, mañana.

CONSEJO: se puede esperar al DVD. Pero anotar.

25.11.08

conozco la canción: cálice

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Paseando por la red, descubrí un video de Chico Buarque y Milton Nascimiento, interpretando “Cálice” (Cáliz). Además de disfrutar de estos dos grandes de la música brasileña, vale detenerse en la historia detrás de esta canción.

En 1964, en el año del golpe militar, Buarque saca este tema (co-autoría con Gilberto Gil) en la que hace un juego de palabras (en portugués) entre cáliz – cállese! (cálice – cale-se), con lo que el rechazo del cáliz en Getsemaní adquiere un sentido distinto, un alegato contra la opresión de la dictadura.

En este video se observa, al final, las imágenes en el recital Phono 1973 cuando Buarque y Gil fueron censurados en escena y se les prohibió cantar esta canción. Vale escucharla, con el aditamento de los subtítulos en español que nos permite apreciar el sentido del tema.



La historia de Chico Buarque:

http://es.wikipedia.org/wiki/Chico_Buarque

24.11.08

cámara discreta

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SHARA

“Shara” es una película japonesa de hace 5 años, que llamó la atención en un anterior BAFICI, dirigida, escrita y actuada por Naomi Kawase. La película es sumamente experimental, perteneciente a la categoría “film de festival”. Posee un par de ideas y hallazgos que citaremos en esta crítica. Pero para el gran público no cinéfilo, “Shara” será un tanto (para decirlo en términos técnicos) embolante.

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La primera idea de la realizadora, es contar el filme a partir de largos planos secuencias, con una cámara que parece estar escondida, detrás de una pared o en un costado de un pasillo, sorprendiendo a los protagonistas. El recurso puede llegar a volverse un poco reiterativo, pero como premisa estética no deja de tener su interés.

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La excusa argumental del filme es contar la historia de una familia que pierde un hijo. La película es el retrato de cómo esa familia (el hermano superviviente, el padre organizador de un festival popular y la madre embarazada otra vez) tratan de seguir viviendo, pese a la tragedia.

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Esa cámara indiscreta sabe retirarse a tiempo para no mostrarnos los peores momentos de la familia. Vemos conversaciones, llantos, risas, la elaboración de una comparsa nipona, noviazgos que empiezan, miedos y tristezas, pero observadas desde un segundo plano, como un apunte marginal. Al final, la tangible presencia del chico muerto está ahí, como si acechara, todavía, en una de esas callejuelas en laberinto que pueblan el filme.

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“Shara” tiene uno de esos pecados comunes del cine independiente, la de proliferación de tiempos muertos. Hay mucha gente caminando, yendo de un lado a otro de la ciudad, sin que pase nada verdaderamente. Ese recurso puede ser utilizado con algún fin (por ejemplo, en el cine de terror, genera suspenso, preanunciando que algo va a pasar cuando menos lo esperemos); pero, en general, no tiene sustento dramático. Ahí es cuando el recurso pasa a ser parte de un capricho. Gran parte de la morosidad de “Shara” se debe a este vicio.

Escenas destacadas: la secuencia del festival; la escena del parto.

CONSEJO: sólo para cinéfilos.

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22.11.08

anécdotas teatrales

la nación

De una nota de Pablo Gorlero en “La Nación”, seleccionamos algunas de las anécdotas de la historia del teatro argentino. Recomendamos la nota, muy divertida.
En mayo de 1973, Alejandro Romay contrató a Nélida Lobato y a Zulma Faiad para Escándalos , la nueva revista de El Nacional. El productor tuvo que mandar a construir un segundo camarín principal, doble y con baño incluido, para que no hubiera diferencias entre las figuras. Pero el problema mayor estalló con el cartel. El Zar lo resolvió de una forma ingeniosa: mandó a construir un molino, para la marquesina, con los nombres de ambas en sus aspas, que giraban permanentemente y no se sabía quién estaba primero. En los afiches figuraban "Zulma Lobato - Nélida Faiad", siempre invirtiendo los nombres en forma diferente.

(...)

Lo del famoso cachetazo de Libertad Lamarque a Eva Duarte también ya forma parte de la mitología de la farándula local. Y está plasmada actualmente en el musical Eva . En 1972, Romay había armado un elenco de lujo para Aplausos -versión musical de la película All About Eve - y el director Daniel Tinayre se dispuso a hacer la primera lectura de la obra. Sobre el final de la pieza, Libertad Lamarque, en boca de Margo Channing, le dice a su contrafigura: "¡Eva, mala mujer, gracias!" Todos se dieron cuenta de que no era una frase feliz para la estrella y le cambiaron el nombre a su contrafigura, que pasó a llamarse Annie.

(...)

Los animales "no contratados" y frecuentes en los teatros son los murciélagos y las ratas. A principios de los años 90, el Luna Park estaba lleno de murciélagos en su parte alta. A menudo se electrocutaban con las luces o caían medio moribundos en pleno escenario de Drácula, el musical . Quedaban los cuerpos en los carros escenográficos y, en una ocasión, Paola Krum revoleó su capa de Lucy y desparramó unos cuantos murciélagos muertos entre sus compañeros. En la misma obra, una vez una rata apareció en escena y logró que cundiera el pánico entre las actrices que vestían lujosos miriñaques.

(...)

Un musical que tiene numerosas anécdotas es Jesucristo Superstar , en la versión que dirigió Rubén Elena, en 1989. El que más sufrió fue Aníbal Silveyra, quien interpretaba a Jesús. No sólo porque había un actor que le pegaba latigazos en serio, sino porque en una función, a aquellos que sostenían con cuerdas la cruz, donde estaba crucificado, los traicionaron sus fuerzas. La cruz comenzó a ceder hacia adelante y Silveyra tuvo que resucitar a Jesús pero con el grito de: "¡¡¡Socorrooooooooo!!!"

(...)

En los años 80, Adela Gleijer llegó de Montevideo con su marido Juan Manuel Tenuta y aquí ambos retomaron su pasión por el teatro independiente. Cuando hacía un espectáculo en aquellos típicos sótanos, donde existía una gran cercanía con el público, la acción que definía a su personaje consistía en tratar de alcanzar, subrepticiamente, una cajita de pastillas ubicada en una mesa de apoyo. Su esfuerzo interpretativo estaba concentrado en transmitir la necesidad y dificultad de esa tarea, cuando, de pronto, advirtió que un dedo de alguien del público la corría hacia su lado para ayudarla.

(...)

Años atrás, la gran Hedy Crilla estaba en los ensayos generales de un gran éxito: Sólo 80 , dirigida por su ex alumno Agustín Alezzo. En un momento, se hacía un apagón total y Crilla debía avanzar a oscuras hasta situarse en frente del escenario. Un actor, ubicado en el lugar, servía de guía para la actriz de avanzada edad. Dominado por los nervios, este último demoró su salida, cuando se escuchó un fuerte golpe. Las luces se encendieron y no había nadie en la escena. De pronto, se escuchó la inconfundible voz con acento alemán de Crilla: "Queridos compañeros, estoy en la platea", pies arriba entre las butacas de la primera fila.

(...)

Pero el gran desperfecto técnico ocurrió en la época en la que aparecieron los primeros micrófonos inalámbricos. Una famosa actriz, con un famoso actor-productor, dejaron la escena y se fueron a camarines, pero no les apagaron los teléfonos de sus ropas. A partir de ahí, en el escenario y en la sala se pudieron escuchar claramente los gemidos y exclamaciones provenientes de los camarines.

(...)

Se dice que cada teatro de Buenos Aires tiene su fantasma. En el Maipo tienen nombre y hasta los saludan. Lo mismo que en el Cervantes, según lo que cuentan sus empleados, lleno de espíritus. Pero el más notorio es el de la sala chica del Broadway. Muchos artistas, productores, técnicos y directores, aseguran que ahí hay un fantasma que empuja. "Te juro que me empujó y casi me caí de la escalera", dijo un famoso jefe de prensa. Algunos, incluso, le han puesto Raúl.

Anécdotas y bloopers del teatro

La mitología teatral porteña es rica en historias de equívocos, peleas, accidentes, público participativo y hasta fantasmas

lanacion.com | Espectáculos | S�bado 15 de noviembre de 2008

21.11.08

frases de “Quantum of Solace”

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-Les prometí a Shiff y les traje a Shiff.
-Solo tendrán su cuerpo.
-Si querían su alma debieron haber ido donde un cura.

Parece que alguien quiere matarte.

-Se supone que debías dispararle.
-Pues fallé.

-Sabía que no debíamos dormir juntos. Creo que hasta me empiezas a gustar.
-¿Entonces me mandaste a asesinar?
-Y me puso muy triste, pensar que no te volvería a ver.

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-¿Que le pasó a Slate?
-No me gusta hablar del pasado. Así que a ti tampoco.
-Lo mataste.

-Bond, si evitaras matar a tantos, estaríamos profundamente agradecidos.
-Sí, señora. Haré lo que pueda.
-Ya he oído eso antes.

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No necesitan otro líder dándole los recursos naturales a su gente.

No importa mucho si muere otro dictador mientras nos quedemos con la tierra.

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-Bond, mataste a un hombre.
-Hice lo mejor que pude.
-Lo empujaste desde el techo. A eso lo llamo poco esfuerzo por acatar las reglas.

Escucha. Perdona a Vesper. Perdónala. Perdónate.

-Es lo que me gusta de la inteligencia norteamericana. Te acostarías con cualquiera.
-Incluyéndote a ti, hermano. Incluyéndote a ti.

-¿Cuanto tiempo me queda?
-30 segundos.
-Eso no nos deja mucho tiempo, ¿cierto?

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Negociamos con los revolucionarios, dictadores o los golpistas. Porque si el actual Presidente fuese mas accesible, no estaría hablando con usted.

-Bond. Te necesito de regreso.
-Nunca me fui.

20.11.08

Bourne. James Bourne.

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QUANTUM OF SOLACE

Confieso que nunca fui fanático incondicional de las películas de James Bond. Tal vez, por ese motivo, la aparición de Daniel Craig en el Universo Bond me pareció una grata aparición y un giro interesante para un personaje dramáticamente muy light. Desde que se calzó el personaje, Bond ganó espesor dramático (por algo, un guionista como Paul Haggis firma sus últimas dos andanzas). No por casualidad, tiene ciertas coincidencias con el atormentado colega Jason Bourne. Este giro en el personaje, aunque eficaz, puede ser una traición para los fanáticos del Bond tradicional. Sí, los tiempos cambiaron. Y este Bond tiene más músculo, más tensión y mucho menos humor y glamour. Resumiendo: asesinar dejó de tener gracia.

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“Quantum of solace” está un escalón por debajo de “Casino Royale”, pero tiene un claro dilema dramático para el protagonista de la historia: vengarse o no. Si Bond cae en la tentación de la venganza, dejará de ser un agente confiable para el servicio británico; si resiste la tentación, traicionará su naturaleza. La resolución de la trama del villano Dominic Greene (sí, Mathieu Amalric, cuenten otra película más) es anecdótica; lo que importa es si Bond podrá perdonar la traición de Vesper.

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“Quantum…” tiene mucho de las corridas de Bourne, saltando de techo en techo, colgándose de los balcones y arrojándose en callejuelas comunes. Ese vértigo puede llegar a ser reiterativo. Asombra el bajo tenor de las Chicas Bond: ni Olga Kurylenko ni Gemma Artenton dan con el estereotipo de diosa total que les tenía asignado la serie. Tienen más polenta, te dan una patada en la cara y terminás pidiendo la hora, pero no tienen peso propio. (Aunque nótese que el rol de Camille es determinante para Bond, es el espejo de la venganza en el que se ve).

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Escenas destacadas: la persecución inicial; la agonía de Giancarlo Giannini; la charla en el bar con el agente de la CIA; la escena del desierto.

Las mejores frases, mañana.

CONSEJO: se puede esperar al DVD.

19.11.08

gacetilla: lo que no se nombra

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Gabriela Margall, amiga de la casa, nos participa de la presentación de su nuevo libro: "Lo que no se nombra", historia romántica que transcurre en Buenos Aires en los primeros años del Siglo XX. Invitamos a la presentación, el 22 de noviembre a las 18 hs. en la librería Cúspide del Village Caballito.

Más información en la página de Gabriela:

http://gabrielamargall.blogspot.com/

Felicitaciones, Gabriela y que se ocntinúe el éxito de tus anteriores novelas.

data de “La flauta mágica”

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Anteayer efectuamos la crítica de “La flauta mágica” y señalamos sus correspondencias masónicas. Completamos más sobre esta ópera de Mozart, con un puñadito de links que aportan más información:

El libreto bilingüe puede consultarse en:
http://www.geocities.com/Vienna/Choir/7652/flauta/acto2.htm

En Wikipedia:
http://es.wikipedia.org/wiki/Die_Zauberfl%C3%B6te

Comentario de un libro de Manuela Mesa sobre la obra, con interesantes aportes:
http://www.opusmusica.com/015/flauta.html

Algunas correlaciones entre la trama de la ópera y símbolos masónicos:
http://www.glrbv.org.ve/Obras Literarias y Otros Trabajos de Interes Masonico/EL SIMBOLISMO DE LA FLAUTA MAGICA.htm

Un completo resumen con argumento de la ópera:
http://blogclasico.blogspot.com/2007/10/la-flauta-mgica-opera-wolfgang-amozart.html

En youtube pueden encontrarse carradas de videos con la ópera. Elegimos, sólo como muestra, tres escenas de la versión de Ingmar Bergman:



y esta otra:



Y por último:

http://www.youtube.com/watch?v=n8zDNRsryoE

18.11.08

frases de “La flauta mágica”

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Si las chicas fueran más como los pájaros, todas serían amigas mías. Si una chica fuera mi amor dejaríamos el suelo y volaríamos por las alturas. Volaríamos por encima de este mundo cansado y rozaríamos el cielo con las alas.

Nunca se me había ocurrido que el amor pudiera gritar como los heridos en el campo de batalla. Este sentimiento es como morir.

Si a los malvados que alardean y mienten se les pudiera cerrar la boca para siempre, el odio y la guerra desaparecerían y los hombres vivirían en armonía.

Esta flauta te dará fuerza y armas por si te atacan el mal o la desdicha. Su música mágica tiene el poder de hacer que florezca un desierto estéril, el hombre más pobre se convierte en rey y el mundo entero se pone a cantar. Tal tesoro mágico es mejor que la fama o el oro mundano, su magia cura, cura las heridas humanas y le da amor al mundo.

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Viviendo en una época como ésta, parece que el poder tiene importancia. Pero podría haber un mundo mejor, hecho de paz y armonía, hecho de paz y armonía, hecho para todos los chicos y chicas. El amor es su base, la alegría crea este mundo mágico y la música lo pone en marcha.

-Pero señor, señor… ¡Si seguí todas las leyes!
-No, mi amigo. Sólo seguiste las tuyas.

El amor y la verdad llevan al hombre a mayores alturas, llevan al hombre a mayores alturas y convierte la Tierra en paraíso.

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-¿Estás listo para luchar?
-Luchar no es lo mío.
-¿Y amar?
-Por lo que estoy viendo, tampoco es lo mío.

Los mejores hombres nunca son débiles. Siempre piensan antes de hablar.

Para los que viven con nosotros ya no habrá más venganza. Si alguien nos hiere, la ley será el perdón. Le ofrecemos nuestra mano amistosa para salir de esta tierra destruida.

La terrible noche deja paso a la espléndida mañana.

La oscura noche desaparece, llega glorioso el alegre día. La sinrazón y la duda han desaparecido, huyen del sol del Levante. El disco de oro arde con brillo, con virtud, con valor, con amor y aprendizaje. Que brille la luz sobre todos los mortales. Un hombre es débil; todos los hombres divinos. La humanidad es débil; un hombre es divino.

Las mismas estrellas miran maravilladas, porque el amor sigue una ley más alta que el que se enfrenta a este mundo de guerra, odio y muerte.

El miedo a la muerte no puede vencernos. Cuando el destino apremia nadie puede esperar. Dejadme pasar y enfrentarme a mi destino.

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… la yerma guerra no puede separar a dos enamorados que comparten un corazón.

Si encontramos rosas, hay que ir con cuidado, porque toda rosa puede esconder una espina.

-¡Papageno!
-¡Papagena!
-¡Papageno!
-¡Papagena!

La luz del aprendizaje verdadero es más fuerte que la guerra. Y la humanidad desea que haya paz por siempre.

17.11.08

bartolo tenía una flauta

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LA FLAUTA MÁGICA

Kenneth Branagh, en coautorìa con Stephen Fry, adaptó al cine, la ópera con música de W. A. Mozart, “La flauta mágica”. Con mucho delirio visual y dos cantantes con mucho carisma (Amy Carson y Benjamín Jay Davis), Branagh redondea un filme aceptable (no brillante). Para los fanáticos de la ópera, esta versión les agregará cosas a lo que ya saben; para aquellos que tengan esa disciplina como una asignatura pendiente, les avisamos, no es el mejor modo de empezar.

“La flauta mágica” es un cuento de hadas con símbolos masónicas. Los protagonistas tienen que pasar una serie de pruebas (para muchos, las pruebas que debían superar los iniciados en las logias masónicas) y opera dramáticamente en un doble juego de parejas: Tamino / Pamina y Papageno / Papagena. Estos últimos son los menos sofisticados, pero más humanos que el amor romántico y noble de los dos primeros. En el medio, estas parejas desarrollan su amor en la confrontación entre el sabio y benévolo Sarastro y la malvada Reina de la Noche (algunos veían en esta dupla a los masones y a la Iglesia Católica).

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Branagh – Fry trasladan la acción a las trincheras de la Primera Guerra Mundial y resaltan la tesis Nueva Era de la ópera: el aprendizaje del amor, con la música como bandera, puede lograr un mundo mejor, de paz y concordia entre todos los seres humanos.

Amy Carson (Pamina) y Benjamín Jay Davis (Papageno) se lucen en sus roles, destacándose en un parejo elenco de cantantes líricos. Un escalón más abajo, René Pape (Sarastro) y Lyubov Petrova (la Reina de la Noche). La fotografía de Roger Lanser y la dirección de arte de Paul Kirby, otros dos pilares fuertes.

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Escenas destacadas: el encuentro entre Tamino y Sarastro; la secuencia de la Reina de la Noche cayendo a la oscuridad; el dúo entre Papageno y Papagena; la escena de Pamina buscando a Tamino antes de la batalla.

La siguiente escena inicial, con un gran plano secuencia:



Y la secuencia en la cárcel – jaula de Papageno, con el sueño de las pájaras:



CONSEJO: para amantes de la ópera. El resto esperar.

El trailer francés del filme:

15.11.08

vistiendo estrellas

Reportaje a Piero Tosi, vestuarista de los grandes directores del cine y teatro italiano, aparecido en “adn” del sábado 8. Seleccionamos algunas anécdotas de la muy buena y extensa nota.

“Durante la época de Mussolini, no hacía sino eso. No tenía dinero para comprar nada. Me conformaba con admirar las caras de las divas del fascismo en los afiches. Me acuerdo de una de ellas, Greta Gonda, una actriz hoy olvidada. Yo no tenía mucho sentido crítico en esos años no sólo porque era muy chico sino porque no había tenido oportunidad de ver sino esas revistas. La Gonda me parecía una deidad. Pero el rostro, en realidad, era una especie de mascarón de proa, cubierto quién sabe por cuántas capas de un maquillaje espeso. Hasta que un día, derrotado el fascismo, encontré en el diario comunista L´Unità una fotografía de La terra trema, de Visconti. Fue como si me hubiera fulminado un rayo. Era algo totalmente distinto de lo que había admirado hasta entonces. Sentí que entraba en un mundo nuevo, que contradecía todo lo que yo pensaba que era el arte."

(…)

En 1951, Visconti lo llamó un jueves: le dijo que el lunes siguiente iban a empezar a filmar Bellísima , con Anna Magnani y Walter Chiari, y le encargó el vestuario. Tosi se animó a decirle que no había tiempo para hacer ningún boceto. La respuesta que le dio Visconti le sirvió para explicarse por qué el director lo había llamado a él, un novato, y no a un vestuarista experimentado. El director no quería que se hiciera ningún boceto ni que se recurriera a ninguna sastrería. Neorrealismo puro. Tosi debía leer el libreto, después, caminar por la calle y observar cómo iba vestida la gente. En cuanto pensara que las prendas de un peatón podían corresponder a las de uno de los personajes en tal o cual escena, debía dirigirse a ese hombre o a esa mujer y pedirle que le vendiera la ropa para el film. Visconti enfatizó: "Y me trae todo caliente". Además, Luchino le dijo que no debía lavar la ropa, así parecería usada. Desde ese primer trabajo, Tosi comprendió que la tela, el material, es lo primero que debe decidirse. El resto viene después.

"En una ocasión, vi a una mujer en el centro de la ciudad que llevaba un vestido de lino blanco. Me pareció ideal para caracterizar a la maestra de declamación de Bellísima. Lo compré. Fue como si hubiera leído la mente de Visconti. Al día siguiente, me dijo que había pensado en un tailleur de lino blanco para ese personaje. Con satisfacción, le dije que ya lo tenía. "¡Bravo!", me contestó. Pero nada es perfecto. Había tenido la mala suerte de dar con una mujer muy prolija que tenía el vestido impecable, lavado y planchado, como recién salido de manos de la modista. Cuando fuimos a filmar, Luchino señaló: "Tiene que parecer amarillento, ajado". Me fui a una cocina, calenté varias pavas de agua, hice té. Volqué todo en una pileta y puse el traje adentro. Lo saqué y lo colgué para secarlo. Tenía justo el tono que quería Visconti. Piense usted que estábamos filmando en blanco y negro. La diferencia de matices era algo que sólo él, yo y algún espectador malévolo podíamos notar.

(…)

"Magnani está maravillosa como madre de la chiquita en esa película. Era una mujer que sólo podía hacer cierto tipo de papeles y debía ser dirigida con mano de hierro. Con Visconti, era dócil como un perrito faldero. Estaba enamorada de él como lo estaban todas las mujeres que trabajaban a sus órdenes. Luchino tenía una enorme confianza en Anna. De pronto, a ella se le ocurrían cosas imprevistas y muy inspiradas. En Bellísima, por ejemplo, hay una escena en la que está preparando a su hija para que recite y, mientras se filmaba, sin haberlo ensayado nunca, sin que Visconti le hubiera dado instrucciones, se miró al espejo y se quedó contemplándose con una mirada amarga, analítica, llena de dudas, como si se confesara. Son apenas unos segundos, pero le dieron a la interpretación una densidad que ninguna actriz hubiera aportado.

(…)

"Luchino había pensado que el escenario y los trajes tenían que verse como una fusión de Longhi, el pintor veneciano del siglo XVIII, y de Giorgio Morandi, uno de los artistas italianos más importantes del siglo XX. Los colores debían ser sobre todo los de Morandi, más bien suaves. Visconti le había ofrecido a Morandi que él realizara todos los aspectos visuales de la versión, pero éste le había contestado que jamás iba al teatro y no se sentía capacitado para una tarea semejante. Ante la insistencia de Visconti, aceptó ver los bocetos una vez realizados y dar su opinión. Una vez que Luchino y yo tuvimos hechos los dibujos, viajé a Bolonia para mostrarle todo a Morandi. En realidad, yo no estaba del todo de acuerdo con las decisiones de Visconti. Le había dado a conocer mi parecer, pero él no me había hecho caso. Cuando me encontré con Morandi y éste vio la carpeta, me dio la razón. Entonces le pedí que escribiera en cada hoja de papel donde estaban dibujados los escenarios y las ropas, lo que, según él, debía ser cambiado y pusiera su firma en cada página. Lo hizo. Cuando regresé y Visconti abrió la carpeta, miró aquellas observaciones y aceptó, sin comentarios, todo lo que antes había rechazado”.

La locandiera tuvo un éxito extraordinario y el espectáculo salió en gira por Europa. La noche de la première en París, según cuenta Tosi, estaba toda la alta sociedad desde los duques de Windsor, los vizcondes de Noailles y los Rothschild, hasta la Begum, la esposa del Aga Khan y Jean Cocteau. También se encontraban las estrellas de la época: Laurence Olivier y Vivien Leigh, Gloria Swanson, Jean-Louis Barrault, Edwige Feuillère, Jean Marais. De pronto, llegó Gina Lollobrigida. Rina Morelli, "la locandiera", era una gran actriz, pero sabía que no era hermosa. Tosi, que estaba en el camarín de Rina, asistió al momento en que alguien cometió la indiscreción de comentarle la presencia de Gina: "Cuando la Morelli se enteró de que en la sala estaba ?Lollo´, exclamó con desaliento: ?¡Ah!´ Y mientras se miraba al espejo, se lamentó: ?Ella debería haber hecho este papel´. La actuación de Rina en esa función fue memorable, pero hizo algo que jamás volvería a hacer. Al final de la obra, tenía una escena estupenda. Debía decir un monólogo mientras planchaba y, en cierto momento, sus palabras se mezclaban con las campanadas de la iglesia, que creaban una sensación espacial y auditiva muy intensa. Rina jamás desobedecía a Visconti. Pero esa noche era como si hubieran crecido su voz y hasta su estatura. Se la veía casi hinchada. Cuando estaba por terminar el monólogo, abandonó el puesto que le había marcado Luchino, se adelantó hasta el proscenio y allí terminó su parrafada, mientras el repique y la luz la envolvían. La música de su voz flotaba por encima de las campanas y fue como si ella misma se hubiera echado a volar. La sala entera se puso de pie y la ovacionó. ?¡Brava, brava!´, le gritaban. Rina se inclinó para saludar. A pocos metros, también de pie, aplaudiéndola, vio a Lollobrigida."

(..)

La realización de Senso le reveló a Tosi la diferencia de criterio entre los europeos y los norteamericanos. Cuando habla de ese episodio, uno puede advertir hasta qué punto ama la belleza romántica, exaltada y hasta qué punto encarna un mundo y una estética en la que el refinamiento, el gusto, estaban signados por las huellas del trabajo y de la sangre de los hombres. Tosi no puede prescindir de la apreciación de las texturas en las obras de arte, necesita que la muerte y la finitud dejen su sello de trágica nobleza en cualquier producción cultural, realizada por otra parte con fanatismo por la perfección. "Luchino insistió tanto para que se contratara a Brando que los productores aceptaron que se le hiciera una prueba. Imagínese usted: una prueba a Brando? Fue inútil. En esos años, Marlon parecía un chico, tenía la sonrisa y la mirada de un chico. Su cuerpo era de proporciones perfectas, algo que después perdió. Una noche, Visconti organizó en su villa de la via Salaria una comida en homenaje a Brando. Marlon se mantuvo más bien silencioso. El salón en el que estábamos había unos pocos peldaños que servían de ingreso al comedor, eso permitía que las mujeres se lucieran al bajarlos. Cuando casi habíamos terminado de cenar, apareció Lucia Bosé, la madre de Miguel, el cantante. Todavía no se había casado con Dominguín. Era en 1954. Nunca hubo una estrella italiana tan hermosa como Lucia en esos años. Tenía una ventaja sobre las otras estrellas: era tísica. Su piel tenía una palidez que sólo la enfermedad produce, pero la fiebre por momentos le arrebolaba las mejillas. Uno veía que un color rosado le brotaba lentamente, como si se inflamara o estuviera iluminada por dentro. Los ojos le brillaban con la luz intensa de las tuberculosas. Ese tipo de hermosura tan frágil y tan apasionada se terminó. Mi querido señor, los antibióticos mataron la belleza". Y después de esa frase inmortal, Tosi continuó satisfecho: "Lucia se sentó al lado de Brando, se sirvió una pera, la peló, la tomó en la mano y se puso a lamerla y a mordisquearla, mientras le clavaba los ojos a Marlon. ¡Usted no se imagina todas las cosas que se le pueden hacer a una pera! ¿Y sabe cuál fue la reacción de Brando? Miró a Luchino y preguntó ?¿Es virgen?´ señalando con un movimiento de cabeza a Lucia".

(…)

Fue durante la realización de Muerte en Venecia . Ella (Silvana Mangano)se alojaba en el Hôtel des Bains, el mismo en el que se hacía la película. Una noche, Silvana y yo estábamos en la habitación de ella. La preparaba para una toma. Abajo, en la terraza, se estaba filmando una escena en la que unos músicos vagabundos, payasescos, tocan y bailan delante de los huéspedes que descansan en la galería. Silvana estaba frente al espejo, en unos minutos debía bajar para interpretar su papel de noble polaca. Elegía las joyas que debía ponerse. De pronto, tuve una sensación de irrealidad. En esa habitación del Hôtel des Bains, una mujer espléndida se vestía para bajar a la recepción. Por la ventana abierta, era verano, llegaban la música y los diálogos de la planta baja y de los jardines, es decir, de los actores que interpretaban a los personajes de Thomas Mann. Por un momento, fue como si, de verdad, yo estuviera contemplando a la madre de Tadzio y hubiera ingresado en el mundo de la novela. La ficción se había hecho realidad. Porque la madre de Tadzio debió de haberse arreglado como Mangano antes de bajar a los salones, pero Mann no lo cuenta. Y yo, durante media hora, asistí a esa ceremonia jamás narrada por el autor, pero que uno, como lector o como espectador del film, se imagina."

(…)

Loren pensaba que su cabeza era chica y que no se correspondía con las proporciones del resto de su cuerpo, entonces se empecinaba en aparecer con arreglos que le dieran más volumen a su pelo. Tosi no estaba de acuerdo con ella y trataba por el contrario de aplastar esa cabellera batida o aumentada por el brushing . Aún hoy, se ríe cuando recuerda las artimañas de Loren: "Fingía que aceptaba mi voluntad. Cuando estábamos a punto de filmar una escena, yo me retiraba detrás de cámara después de darle la última repasada a la ropa, al maquillaje y al pelo de Sofia. Ponían la pizarra delante de la cara de ella para hacer el "chiak" que indicaba el comienzo de la acción y Loren, nunca se sabía cómo, pero usted puede imaginarse que semejante mujer tenía dónde esconder cosas, sacaba un peinecito y con una velocidad y una destreza asombrosas, sin mirarse en ningún espejo, de memoria, se daba tres o cuatro toques en el pelo, se lo inflaba y, al mismo tiempo, me sacaba la lengua para burlarse, en el preciso momento en que las cámaras empezaban a registrarla, según su gusto, con un peinado el doble de grande del que yo había previsto".

(…)

La relación profesional con Fellini fue para Tosi una tortura, más allá de la satisfacción artística: "Los dos éramos indecisos. Los dos, cuando se estaba por empezar a filmar, queríamos cambiar algo. Pero Federico era peor que yo. Ya estaba todo planeado, decidido y, de repente, me decía: ?Tengo una idea´. Y Fellini tenía miles de ideas por hora. Con Visconti, una vez que uno terminaba el trabajo del día, no se volvía a hablar del asunto hasta la jornada siguiente. Además, Luchino nunca dudaba. Tratar con él, era como tratar con un condottiero del Renacimiento. En cambio, Fellini te consultaba todo el tiempo y no daba tregua. Había que estar con él desde la mañana hasta la noche hablando siempre de la película. Me llevaba a casa en un coche, se bajaba, entraba, me seguía hasta mi dormitorio. Yo me desvestía, él no paraba de hablar; yo me metía en la cama, él me arropaba como si fuera su hijo, me daba un beso en la frente y se despedía. "Ciao, Pierino" . Me dormía agotado y, a las cinco y media de la mañana, me despertaba la vocecita aguda de Federico desde el jardín, cuando todo estaba todavía oscuro, que preguntaba: "¿Te despierto, Pierino?" La nuestra era como una historia de amor profesional. El me quería, pero no era correspondido. A pesar de toda la admiración y el cariño que le sentía por él, lo evitaba. Vivíamos cerca y cuando Federico estaba por preparar un film, me buscaba por el centro de Roma y yo me le escapaba. ...l me corría detrás y me decía: "Pierino, ¿me hacés un par de zapatitos?" Hasta llegué a circular disfrazado con peluca, anteojos y solapas levantadas, para que no me reconociera. En una ocasión, le dije que sólo iba a trabajar con él, si no lo veía, si nos comunicábamos únicamente por intermediarios. Le pedí un escritorio aislado. Me consiguió una oficina con una hermosa vista, pero detrás del sillón de mi escritorio, el primer día, noté que había una puerta. La puerta se abrió y apareció Federico. Esa vez, aguanté setenta y dos horas, y yo, que me había ido de la casa de mi madre cuando era un chico, volví a ella desesperado, gritando: “¡Mamá, mamá, ayuda!´ Puede imaginarse..."

(…)

Habló del recelo con el que Pasolini lo llamó para que diseñara la ropa de Medea. Temía que Tosi importara en el mundo pasoliniano el espíritu de Visconti. El diseñador le respondió con un alarde de creación y de imágenes asombrosas: basta ver las corazas de cuero revestidas de piedras y de ramas de los soldados de Medea para comprender la originalidad y el sentido plástico ilimitado de Tosi. No hay el menor signo de decadentismo ni de puesta lírica al modo viscontiano en la ropa de ese film.

El arte y la moda
En esta entrevista, Piero Tosi, uno de los diseñadores teatrales y cinematográficos más importantes del siglo XX, el hombre que creó la imagen de Maria Callas, Sofia Loren y Silvana Mangano, entre otras figuras, cuenta cómo trabajaban Visconti, Fellini y Pasolini, y revela la intimidad de un mundo regido por el afán de perfección y la búsqueda de la belleza
LANACION.com | ADN Cultura | Sábado 8 de noviembre de 2008

14.11.08

frases de “Fast Food Nation”

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-Tengo un amigo que enseña ciencias alimentarias en A&M, microbiología. Y este semestre, algunos de sus alumnos de postgrado hicieron unos cultivos con hamburguesas de varias cadenas de comida rápida. Bueno... Consiguieron un par de Grandotas, las hamburguesas congeladas, no me preguntes cómo. Y la cuenta de bacteria fecal estaba por las nubes. Me preocupa que esto suponga un problema para nosotros. ¿Entiendes lo que estoy diciendo?
-No exactamente.
-Estoy diciendo que hay mierda en la carne.

Primera Regla del Marketing: "No mates al cliente". No volverán a comprarte.

-¿Cuál es tu cosa favorita del menú?
-Me gusta todo.
-Sé que eso no es cierto. Pero me diste la respuesta correcta.

-¿Por qué trabajan ahí?
-No todos podemos trabajar en Banana Republic.

-¿Cuándo ocurrió esto?
-En los últimos dos años. Un ranchero local perdió el control de sus tierras. Los bancos se quedaron con ellas y se las vendieron a los especuladores.

-¿Qué piensas de ellos?
-Son gente de mucho cuidado.
-¿De veras?
-Te cortarían el pescuezo por 5 centavos. No es nada personal. Sólo quieren los 5 centavos extra.

-¿Crees que nos venderían carne contaminada a sabiendas?
-Vamos. Los trabajadores están perdiendo sus brazos ahí. No sabes con quién estás tratando.

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-¿Te mostraron el matadero?
-No lo sé. Vi muchas cosas.
-Lo recordarías. ¿Viste cómo le cortaban la cabeza al ganado? ¿Te llegaba la sangre hasta los tobillos? Entonces no te mostraron nada.

Esto no trata de los buenos contra los malos. Se trata de la máquina que se ha apoderado de este país. Parece algo de ciencia ficción. La tierra, el ganado, los seres humanos... a la máquina le importan un carajo. Centavos por kilo. Centavos por kilo. Eso es lo único que le importa: ganar unos cuantos centavos más por kilo.

Por cierto, Don, tú pareces buena gente. Pero la comida que vende tu compañía es una porquería. Una porquería total. Incluso cuando no contiene estiércol.

La carne siempre tuvo un poco de mierda. Y la has comido toda tu vida.

La carne hay que asarla. Y las parrillas de Mickey's están cuidadosamente calibradas para estar seguros de que mate todas las cositas que puedan ser nocivas.

Es algo que me molesta de este país. Me molesta muchísimo. Nos hemos vuelto unos pusilánimes. Le tenemos miedo a todo. Todo tiene que estar esterilizado y libre de gérmenes. ¡Todos tienen que dejar de ser infantiles! Eso es lo que necesitan hacer. Quieres sentirte seguro, ¿eh? ¿Perfectamente seguro? Pues olvídalo. Eso no ocurrirá, ¿de acuerdo? Y todos necesitan comprenderlo. Asa la carne y no te pasará nada.

Donny, tómate un respiro y mira las cosas con perspectiva. Mueren 40 mil personas en accidentes de tráfico todos los años. ¿Detroit dejará de fabricar autos por eso?

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-¿Fuiste a México alguna vez?
-¿Qué tiene que ver eso?
-Es precioso. Realmente precioso. Playas fantásticas. Es magnífico. Pero pobre. Pobre. El lugar más pobre en el que he estado. Un tipo allá gana tres, tal vez cuatro dólares por día. Por día, Don. Ese mismo tipo viene aquí y consiguen un trabajo con Carnes Uni-Globo, ganando diez dólares por hora. Gana más aquí en un solo día de lo que gana en un mes en su país. Así que, francamente, no veo que haya ningún problema. Nadie les obliga a venir aquí, ¿verdad? Nadie les ordena que vengan a trabajar para Carnes Uni-Globo.
-Pero no se trata de eso.
-¿Y sabes qué? Admiro a esta gente, ¿de acuerdo? De veras. Se matan para trabajar. Trabajan duro e intentan salir adelante, ¿de acuerdo? ¿No hicieron eso nuestros antepasados? ¿No es lo que convirtió a este país en lo que es hoy en día? ¿Y tú quieres detenerlos? ¿Quieres decirles que sabes qué es lo que más les conviene? Pues a la gente no le gusta que le digan qué le conviene.

Es un hecho triste de la vida, Don... pero lo cierto es que todos tenemos que comer mierda de vez en cuando.

-Mamá dijo que fue todo un acontecimiento cuando abrieron el primer Mickey's.
-¡Fue tremendo! Lo fue. Vaya, Cody figuraba en el mapa. El primero no me molestó. Fue el número 400, el que empezó, ya sabes, a sacarme de quicio.

Por eso, si a los 21 años no te has perdido un solo ciclo menstrual... te regalaré mil dólares.

En resumidas cuentas, no me hagas caso a mí y no le hagas caso a tu madre. Hazte caso a ti misma. Si quieres ser como todos los demás, haz lo que te dice todo el mundo que hagas.

Pero, ya sabes, estoy a gusto con lo que estoy haciendo. Y estoy muy a gusto con lo que no estoy haciendo.

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-Demócratas, republicanos. Son todos unos sinvergüenzas.
-Por eso las revoluciones son para los jóvenes. Si no lo haces ahora, no lo harás nunca.

Porque es imposible encontrarle el sentido a todo ello tú solo. Las mentiras son demasiado grandes, son demasiado ingeniosas, están demasiado interrelacionadas. Y ellos saben que si repiten las mentiras una y otra vez hasta la saciedad, la gente se lo acabará creyendo. Y nos lo creemos.

-¿Le ocurre algo a este lugar?
-No parece real. Quiero decir... No es culpa tuya. Este lugar es igual a otros mil lugares. Son todos... Es idéntico.

Pues ahora mismo no se me ocurre nada más patriótico que violar la Ley Patriota.

Muéstrales que hay un agujero en la valla. Creo que no lo ven.

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¿No quieren ser libres? Está abierto. ¡Vamos!

-No lo entiendo. ¿Por qué querrían quedarse ahí?
-Bueno, afrontémoslo. Las vacas no son muy inteligentes.
-¿Quién sabe? Tal vez vivan mejor ahí. Comen todo lo que quieren. Esa porquería diseñada genéticamente sabrá mucho mejor que el pasto.
-Yo creo que sólo tienen miedo.

-No sé. ¿Por qué ganan siempre los malos en la vida real?
-Bueno, ya sabes... ganan hasta que pierden.

13.11.08

eres lo que comes

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FAST FOOD NATION

Si siguió a Richard Linklater como el director de “Antes del amanecer/atardecer” y de la brillante “Escuela de rock”, usted debe estar esperando saber qué sorpresa trae esta nueva película suya. Basada en un best seller polémico, “Fast Food Nation” de Eric Schlosser, la película de Linklater nos cuenta una historia coral alrededor de la comida chatarra americana. La película parece quedarse en la descripción de la cara oculta de la industria, pero estas pinceladas dibujan un marco mayor: la sociedad que termina mimetizándose con lo que come. Si te acostumbras a comer mierda (aunque sea bien asada, como recomienda Bruce Willis en un antológico parlamento), no podrás evitar que tu pensamiento apeste.

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“Fast Food Nation” nos deja un cierto sabor amargo porque casi todos los personajes acceden a venderse o prostituirse, a especular en sus decisiones para no arriesgar el futuro inmundo que esperan. Se salvan algunos personajes redimidos, como el tío que interpreta Ethan Hawke, y la sobrina “reeducada”, Amber (Ashley Johnson). Pero el gusto final es el de una sociedad que, como esas vacas de la escena final que se niegan a salir del matadero, tal vez están demasiado confortables para probar los riesgos de la libertad. Miedo o complacencia, los que ya están o los quieren entrar, son cómplices de un estilo de vida de plástico.

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Escenas destacadas: las lágrimas de Sylvia en el matadero; el parlamento de Bruce Willis con Greg Kinnear; la escena de la liberación de las vacas; la charla de Kinnear con Kris Kristofferson.

Las mejores frases, mañana.

CONSEJO: se puede esperar al DVD.